El iPod: Diez Años De Influencia En La Música Popular (Segunda Parte)

Nuevas ideas surgieron con las ventas en línea. Con el iTunes Store los artistas ya no necesitarían la distribución física para lanzar sus discos. Aquellos con bajo presupuesto ahora podían simplemente lanzar su música exclusivamente en iTunes a una mínima fracción del costo que requería poner CD's en los anaqueles, y con más beneficios. Sin la necesidad del apoyo de una disquera importante, ahora los artistas podían alcanzar una gran audiencia consistente en cualquier casa que tuviera conexión al internet. Cualquier persona interesada podía legalmente adquirir la música del artista, quien a su vez obtendría ganancias en la forma de regalías. Gracias a los medios digitales, la música se ha vuelto muchísimo más fácil de lanzar que antes. El proceso es mucho más directo, ya que no es necesario esperar por la impresión, envío, y colocación de los discos en las tiendas. Una vez la música ha sido masterizada, literalmente puede llegar a las tiendas el día siguiente.

Todos estos cambios propiciados por las invenciones de Jobs y su equipo ayudaron a salvar la industria de la música, que estaba a la merced de programadores de computadoras. Aunque 99 centavos de dólar por canción fue un duro ajuste para las disqueras, fue la prueba de que vale la pena pagar por la música descargada de Internet cuando ésta se obtiene en un sistema conveniente que la organiza eficientemente, no compromete su calidad, y a la vez legitimiza su obtención. Aunque Apple ha obtenido una gran tajada en el nuevo modelo de negocios de la música, aún necesita llenar su iPod y iTunes con contenido de calidad, por lo que la profesión de hacer música aún es lucrativa.

La icónica "click weel" del iPod.

En un aspecto más técnico, el aparato fue el primero lanzado por Apple que redefiniría una industria. El iPhone y el iPad que llegaron después fueron revolucionarios por derecho propio, pero fue el iPod el que primero exploró la idea de que un aparato sensible al tacto también podía ser un símbolo de estatus. Antes de él disponíamos del Walkman, comparativamente difícil de manejar, como la única opción para la música móvil, y de los CD's y cassettes como la forma de almacenamiento musical, que comparativamente ocupan bastante espacio físico. Apple lo reemplazó con una sofisticada pieza de metal y plástico blanco, cuyo estatus de lujo rápidamente dio paso a la ubicuidad total, e inspiró generaciones de productos de imitación que siguen fallando en superarlo. Las sucesivas generaciones del aparato refinaron unos botones y una rueda en esquemas de control progresivamente minimalistas, y prepararon a la empresa y los consumidores para la creciente experiencia táctil del iPhone y iPod Touch.

iPod Classic (sexta generación) con una capacidad de 160 gigas de información equivalentes a 40,000 canciones,
presentado el primero de septiembre de 2010.

Con el software iOS 5, el iCloud, y las pantallas táctiles volviéndose el estándar, ya se ha comenzado a hablar de la desaparición del iPod original (hoy día llamado ipod Classic). Como todo, es natural que este revolucionario aparato cierre su ciclo y de paso a nuevas tecnologías, sin embargo es innegable su influencia en importancia. Como otros productos de Apple, el iPod no fue el primer aparato de su clase, pero como otros ejemplos del legado de Steve Jobs, fue el mejor de su clase. Fue el primero en demostrarle a los usuarios que una pieza de tecnología digital no solo era útil sino también chévere, y con el tiempo imposible de vivir sin ella. También fue el primero en la era de la descarga digital, en convencer a los músicos que aquellos fans que les habían robado sus creaciones alguna vez, eran los que tenían que alcanzar ahora, y para ello el iTunes les ofreció una manera eficiente, directa, y rentable de hacerlo.

Steve Jobs y Apple crearon un mercado donde no existía, y obtuvieron grandes ganancias con eso, pero más importante fue que definieron un futuro para la industria de la música, la que estaba luchando por sobrevivir ante los nuevos retos comerciales en los albores del Siglo XXI. En 56 años de vida Jobs puso al mundo de cabeza; solo queda preguntarse hasta donde habría llegado si su vida no hubiera sido acortada.

Piensa Diferente.

     

El iPod: Diez Años De Influencia En La Música Popular (Primera Parte)

El 23 de octubre de 2001 en Cupertino California, Steve Jobs anunciaba un "nuevo producto revolucionario" y "1,000 canciones en tu bolsillo". El iPod marcaba el inicio de la década más fructífera de Jobs y su empresa Apple. La contribución de Jobs al mundo de las computadoras y la tecnología digital es bien conocida, sin embargo poco se sabe del papel que jugó en el mundo de la música digital, lo que fue uno de sus trabajos más influyentes, y que ayudó a cambiar el curso de la industria de la música popular moderna.

Steve Jobs en 2001, presentando el iPod.

De rodillas ante Napster y el libre intercambio de archivos, para 2001 la industria de la música pasaba por tiempos difíciles. Descargar canciones no solo era gratis, también mucho más simple que comprar CD's, y ya que estos a menudo venían con solo un par de buenas canciones rodeadas de contenido desechable, más conveniente. Jobs aparecería justo a tiempo para salvar a la industria de una desastrosa caída.

El iPod, como otras creaciones posteriores de Jobs, dictó las preferencias del consumidor más que responder a ellas, y su visión ciertamente no fue aceptada masivamente de inmediato. El aparato debutó a un precio de $399, alineado con sus competidores, pero aún demasiado caro para los consumidores de la época. Sin embargo las astutas campañas de mercadeo, y la directa asociación del aparato con iTunes, el software de Apple para organizar y sincronizar música lanzado en enero de 2001, hicieron que el iPod comenzara a marcar una diferencia. Los audífonos blancos de Apple se fueron volviendo omnipresentes, y varias canciones ganaron fama por ser la música que acompañaba los comerciales del aparato. El iPod, y iTunes ofrecían una manera eficiente y elegante de organizar el caos del gusto musical pasajero que vino con la rápida descarga de música.  La llegada posterior del iTunes Store en 2003 (lanzada originalmente como iTunes Music Store) promovió la compra legal de música, con ello salvando la industria y dándole tiempo para reinventarse. Para bien o para mal los tiempos estaban cambiando irreversiblemente.

iPod de primera generación.

Aparte de propiciar un nuevo modelo de negocios para la venta de música, el iPod también tuvo un gran efecto sobre la radio y otras autoridades del gusto musical. La nueva música de moda no estaría dictada por la opinión de un Dj sino por aquellas canciones que los escuchas repetían en sus iPods. Esto y la altamente personalizada experiencia de escucha que permitió el aparato, le dieron poder a los usuarios, lo que favoreció un cambio en la manera de hacer música, ya que los fans ya no tenían que comprar  álbumes completos para disfrutar la música de sus artistas favoritos, ahora ellos tenían la capacidad de comprar solo aquellas canciones que les gustaban. Por otro lado esto permitió que artistas menos populares alcanzaran éxito en línea, y propició el surgimiento de artistas de "single". Por ejemplo raperos como Soulja Boy y Flo-Rida, que vendieron pocos álbumes, llegaron a las ventas multiplatino con algunos de sus singles. Todo esto significó también que los artistas comenzaran a depender más de sus presentaciones en vivo y de la lealtad de sus fans para sobrevivir que de sus ventas. El cambio desatado fue tan imparable que en 2004 U2, una banda ya importante y popular antes de la llegada del aparato, se asociaba con Apple para lanzar su propio iPod de edición especial, y que sería el primero de una serie de tres. En 2010 The Beatles se unirían al cambio, y abandonarían la negativa de vender su música en línea.

Bono y Steve Jobs en 2004, presentando el iPod U2 Special Edition (iPod de cuarta generación).

Práctica Mental: Una Manera Alternativa De Mejorar Tus Habilidades Musicales

La práctica mental, aunque pueda parecer charlatanería al principio, de hecho ha sido estudiada por científicos serios con resultados positivos. Se basa en técnicas de visualización mental que han ayudado a aquellos individuos que las practican a mejorar su rendimiento en actividades cotidianas, deportivas, y artísticas.

Un estudio relacionado al tema y de gran interés para los músicos es el que realizó el Doctor Alvaro Pascual-Leone, profesor de neurología en la Harvard Medical School, y que se titula "El Cerebro que Toca Música y es Cambiado por Eso" (The Brain that Plays Music and is Changed by It). Para este estudio el Doctor Pascual-Leone puso a individuos sin experiencia en el piano a aprender una pieza simple en dicho instrumento durante un periodo de tiempo, mientras él hacía observaciones detalladas de su actividad cerebral. Comenzó con los individuos que físicamente tocaron un piano, y luego estudio lo que sucedía cuando los participantes del estudio solo pensaban acerca de tocar el piano. De acuerdo a sus observaciones la práctica mental produjo resultados muy similares a los de la práctica física:

"...la simulación mental de los movimientos activa algunas de las mismas estructuras neuronales centrales requeridas para la ejecución de movimientos reales. Esto no solo resulta en una mejora marcada en la ejecución, sino también parece aventajar al individuo para más aprendizaje de destrezas con mínima práctica física. La combinación de práctica mental y física lleva a una mejora mayor en la ejecución que la sola práctica física..."

Así que es oficial muchachos: soñar despierto que tocas los solos de Paganini de hecho te hace tocarlos!!

Jaja... ya en serio, no se trata de soñar despierto por supuesto, sino de aplicar algunas técnicas de visualización mental. Dichas técnicas, aplicadas correctamente, deberían mejorar la conciencia de lo que se toca en un instrumento, ya que con la práctica física constante dicha ejecución a menudo se vuelve automática. La visualización mental te hace más consciente de lo que tocas porque requiere un buen nivel de concentración y conciencia para poder visualizar en tu mente lo que haces en el mundo físico.


Aquí algunas técnicas:

• Observa tu práctica en el mundo físico. Para ayudar a replicar en la mente los procesos que estas tratando de aprender, practica lentamente en tu instrumento y pon mucha atención en los movimientos físicos. Para empezar, hacer esto te puede ayudar a notar cualquier problema con tu técnica, y te ayudará a visualizar con precisión lo que estas haciendo.
• Piensa en detalle. No es suficiente pensar vagamente en tocar tu instrumento. Es necesario enfocarse en una tarea específica, y tratar de imaginar cada detalle físico asociado con ella; por ejemplo los movimientos de los músculos, la cantidad de presión aplicada a una cuerda, tecla, o llave, y las sensaciones físicas. Mientras más realistas sean los detalles que proyectes en tu mente, más útil será la práctica mental.
• Concéntrate. Podrías encontrar sorprendentemente retador mantener el nivel requerido de pensamiento concentrado para imaginar una representación realista de algo tan simple como una escala mayor. Al principio tu mente vagará, e incluso te darás cuenta de que no sabes que es lo que hace tu cuerpo cuando tocas. ¡Practica!

Consejos:

• Escoge el lugar y momento adecuado para visualizar. El proceso de visualización es parecido a meditar, en el sentido que requiere un buen grado de silenciosa concentración. Trata de encontrar periodos calmados durante el día, cuando te puedas apartar mentalmente sin ser molestado. 
• Hay que ser realista. Es obvio que todo los expuesto aquí no es precisamente una formula para alcanzar el virtuosismo de la noche a la mañana, la práctica "real" en el instrumento es irreemplazable. Sin embargo, la experiencia sugiere que la aplicación de la práctica mental mejora la precisión, fluidez, y la habilidad de recordar secuencias de acordes y notas.

Este artículo solo ha sido una pequeña introducción sobre un tema muy interesante. No es algo nuevo, la importancia que juega la mente en todo lo que hacemos en el mundo físico ya ha sido notada desde la antigüedad, sin embargo es solo hasta tiempos recientes que los científicos se han interesado, y han comenzado a hacer descubrimientos interesantes.

No tienes nada que perder, ¡inténtalo!

Fuentes: 

http://audio.tutsplus.com/

http://www.zenintheartofguitar.com/

Kurt Cobain: Sus Guitarras Y Equipo (Segunda Parte)

Otras guitarras asociadas con Cobain dignas de mención incluyen su Jaguar en color sunburst tabaco del 65, la que compró ya modificada, varias Fender Mustang, modelo del que dijo que era su favorito, varias Stratocaster, en ocasiones modificadas para ajustarse a su estilo, y una incursión poco habitual en el mercado de instrumentos de gama alta cuando estaba haciendo el Unplugged de la MTV, una Martin D-18E de 1958. Una guitarra bastante rara, de la que solo se fabricaron poco más de 300 durante un par de años, aunque muy probablemente Cobain ni lo supiera. 

Por cierto, según el sitio burntout.com, Cobain siempre dijo que su Jaguar sunburst era del 66, sin embargo el numero de serie y los rasgos de la guitarra la fechan en el 65. En un aspecto relacionado, ya que en septiembre de 2011 se cumplieron 20 años del lanzamiento del disco Nevermind, Fender decidió conmemorar el aniversario con el lanzamiento de la Kurt Cobain Jaguar, que es una réplica exacta de la que usó el fallecido artista, y que incluye hasta los herrajes oxidados y la pintura agrietada de la original. Nevermind [4CD/DVD Super Deluxe]

   

La Kurt Cobain Jaguar

El luthier Danny Ferrington también hizo una guitarra custom para Cobain en 1992, basada en la Fender Mustang. Ferrington cuenta que cuando Cobain la probó, se puso eufórico: "Justo después de empezar a tocarla paró repentinamente y dijo '¡Ésta es la guitarra de mis sueños!'; entonces Courtney le preguntó, 'Cariño, ¿ésta también la vas a romper?' Pero Cobain puso cara de horror y con voz solemne le dijo, 'No, ésta va a ser mi guitarra para grabar'". Se supone que ocurrió de esa manera, sin embargo no existe imagen alguna que muestre a Cobain tocando la guitarra Ferrington.

Cobain no tuvo predilección por algún amplificador. Al parecer usaba lo que estuviera a mano, de esto se sabe que utilizó amplificadores Randall, Mesa Boogie, Marshall, Fender, Peavey, y ocasionalmente Sunn. Los bafles más utilizados en directo por el artista fueron los Marshall 4 x 12, con bocinas Celestion.

En relación a lo anterior se puede decir que los más importante para establecer su sonido fuera en realidad su selección de pedales. Tenía varios pedales de distorsión y fuzz, incluyendo el fuzz ProCo Rat, el Sansamp de Tech 21 original (conocido ahora como el Classic), y el distorsionador Boss DS-1, que reemplazó tras Nevermind por un DS-2. Usaba pedales de Electro-Harmonix para producir los sonidos menos habituales. Utilizó un Big Muff, un Small Clone Chorus, un Small Stone Phaser, un Polychorus y un Echoflanger. De estos su favorito fue el Small Clone Chorus que siempre estuvo presente en su cadena de efectos. 

Cobain no solo era guitarrista y compositor, también podía desafiar la fuerza de gravedad.

Kurt Cobain: Sus Guitarras Y Equipo (Primera Parte)

Kurt Cobain tenía la reputación de ser un tipo despreocupado con respecto a las guitarras y al equipo que utilizaba. Comentaría una vez: "Las cosas de segunda mano son siempre las mejores", y "Nunca he considerado el equipo musical como algo demasiado sagrado". Dado que solía destrozar su guitarra en los conciertos, se podría llegar a pensar que su indiferencia era auténtica. De todos modos Cobain tenía una colección de guitarras vintage, en especial Fenders Mustang y Jaguar, además de la guitarra híbrida que ayudó a diseñar, la Jag-Stang. Por contraste esas guitarras vintage las guardaba como auténticos tesoros. Las que destrozaba, las compraba específicamente para ese fin en tiendas de segunda mano.

Sin embargo, no todas esas guitarras viejas vieron su fin en un concierto de Nirvana. Entre esas está la Mosrite Gospel que luce en el video de Heart Shaped Box, o la golpeada guitarra acústica Stella que se usó para grabar Polly. Aunque su relación con los instrumentos usados tenía que ver con su actitud de cultivar una imagen auténtica y distanciarse de los relucientes roqueros "glam" de los ochenta, quienes se jactaban de sus caras guitarras Jackson, Ibanez, Stratos y Les Pauls Custom, también tenía que ver con una cuestión práctica: al ser zurdo, no le era fácil encontrar guitarras económicas que se adaptaran a su condición. Por ello, las casas de empeño fueron un buen lugar para encontrar lo que necesitaba.

Como ya se mencionó, Kurt Cobain llegó a diseñar su propia guitarra, la Jag-Stang, una combinación funcional de los diseños Jaguar y Mustang de Fender. En una entrevista transcrita en la revista Total Guitar, en 2001, Larry Brooks de Fender Custom Shop comentó: "Kurt siempre disfrutó tocando ambos instrumentos. Tomó fotografías de ambas guitarras, las cortó por la mitad y las unió para ver que aspecto tendría la combinación. Fue su concepto, y nosotros lo detallamos y matizamos para que tuviera equilibrio y tacto. Era realmente fácil trabajar con él. Tuve la oportunidad de sentarme a charlar con él y después construimos un prototipo. Lo tocó durante un tiempo y nos envió algunas sugerencias que había escrito con respecto al instrumento. La segunda vez que vino, ya la tuvimos lista". Fender fabricó dos prototipos para Cobain, de los cuales solo llegó a tocar uno. Se dice que Cobain no llegó a estar satisfecho completamente con la guitarra, y ciertamente no llegaría a terminar el diseño por su inesperada muerte.

Una de las etiquetas que traía la versión comercial de la Jag-Stang era una reproducción del "collage" que Cobain creó para diseñar la guitarra.

La Jag-Stang tiene un mástil de escala corta (24") al estilo Mustang montado sobre un cuerpo de aliso que comparte elementos de ambos diseños. Se colocó un humbucker DiMarzio H-3 en el puente y una Texas Special de bobinado simple en el mástil, inclinada con el mismo ángulo que en una Mustang. Cobain comentó de su diseño: "Me gusta la idea de tener un instrumento de calidad en el mercado que no tenga nociones preconcebidas. En cierta forma es perfecto para mi asociar mi nombre a la Jag-Stang, ya que soy el anti héroe de la guitarra, apenas sé tocar". Después del fallecimiento de Cobain, Fender produjo comercialmente la Jag-Stang hasta 1999. Por demanda popular la guitarra volvió al mercado en 2001, lo que duró hasta 2005 cuando Fender suspendió la producción de la guitarra definitivamente. 

La Jag-Stang que Kurt Cobain ayudó a diseñar.

La Guitarra Más Cara Del Mundo

En noviembre 16 de 2005 "Blackie" la guitarra eléctrica favorita de Eric Clapton durante más de diez años de su carrera musical, y que en 2004 llegara a costar $959,000 dolares americanos, dejó de ser la guitarra más cara del mundo.

Blackie fue destronada por otra Fender Stratocaster, esta vez blanca y firmada por varios músicos de rock famosos. La guitarra en cuestión alcanzó en subasta $2.7 MILLONES DE DOLARES AMERICANOS y fue adquirida por Sheihka Miyyassah Al Thani, heredera al trono de Qatar, y presidenta de la organización no lucrativa Reach Out To Asia que ha apoyado a la educación en Asia desde la crisis provocada por el tsunami de 2004. 

La idea de firmar y donar esta guitarra fue de Jamie Crompton (Fender de Europa) y Brian Adams, a principios de 2005. El objetivo fue convocar a personalidades de la industria de la música para que colaborasen en la recaudación de fondos para apoyar a las victimas del entonces reciente tsunami que tanto daño había hecho a las naciones asiaticas. Con el apoyo de Adams, la guitarra fue autografiada también por Eric Clapton, Jimmy Page, Mick Jagger, Keith Richards, Ronnie Wood, Brian May, Liam y Noel Gallagher, Jeff Beck, Pete Townshend, Ray Davies, David Gilmour, Tony Iommi, Mark Knopfler, Angus y Malcolm Young, Paul McCartney y Sting. Poco después la guitarra fue comprada en una primera subasta de caridad a $270,000 dolares americanos, por otro miembro de la familia real de Qatar.

En noviembre 16 de ese mismo año, en Doha, Qatar, durante otro evento de caridad Adams anunció que el comprador original iba a donar la guitarra a Reach Out To Asia para que fuera resubastada, después de lo cual alcanzó la cuantiosa suma. 

En total la guitarra generó más de 3 MILLONES DE DOLARES… wow!

Es bueno saber que la guitarra más cara del mundo no es un simbolo de estatus y riqueza, sino uno de solidaridad y esperanza =).

Eric Clapton y Los Bajistas Que Han Jugado Un Papel Relevante En Su Música (Tercera Parte Y Final)

Donald "Duck" Dunn

(Octubre de 1982-Octubre de 1985)

El legendario bajista de la sección rítmica de Stax, se unió a Clapton para grabar el disco "Money & Cigarettes". Después Clapton se fue a tocar con Bill Wyman en los "ARMS Charity Concerts", mientras que Fernando Sanders, entonces en el bajo, pasó a formar parte de la banda de Roger Waters. Dunn intervino en el disco "Behind the Sun" y estuvo de gira promocional hasta 1985, para volver a reecontrarse con Clapton en Octubre de 1992, con motivo del concierto-homenaje a Bob Dylan "The 30th Anniversary Concert Celebration", y en el Royal Albert Hall en 1993.






Nathan East

(Abril de 1986-1993)

East fue uno de los músicos de sesión contratados en Los Angeles para grabar temas adicionales del album "Behind The Sun". Tambien intervino en el disco "August" de 1986 y, aparte de varias giras, fue el bajista regular de Clapton hasta 2004.

Richard Cousins (1990)

Joey Spampinato (1991)

Richard había sido el bajista de Robert Cray y se unió a Clapton para las "Blues Nights" del Royal Alber Hall. En 1991, Joey hizo lo mismo, alternándose con Nathan East en el puesto.

Dave Bronze

(1994-1997)

Otro intérprete experimentado, Dave estuvo seis años con Robin Trower y ha colaborado con nombres como Procul Harum, Paul Carrack y Brian Ferry. Se el puede escuchar en "From The Cradle".

Marcus Miller

(Verano de 1997)

Marcus es un bajista por excelencia y Clapton se había unido ya a él en una sesión en 1991. Sus caminos no volvieron a cruzarse hasta la gira "Legends" de 1997.

Nathan East

(1998-2004)

East regresó y es el componente al bajo que más ha durado con Clapton. Eas es un bajista muy respetado, y tiene una formación de jazz llamada Fourplay.

Willie Weeks

(2006-Presente)

Weeks es un bajista muy demandado, que ha ganado notoriedad tocando en estudio y giras con grandes de la música tales como B.B. King, David Bowie, Rod Stewart, Stevie Wonder, y The Rolling Stones entre muchos. Desde 2006 ha formado parte de la banda de Eric Clapton, y actualmente se encuentra de gira con él.

Las Púas De Guitarra Más Caras Del Mundo

Las púas o plectros son objetos comunes para la mayoría de guitarristas. Son fáciles de conseguir, y generalmente son baratas. La mayoría son desechables, y se pueden conseguir en una gran variedad de formas y materiales. También se pueden mandar a hacer de acuerdo a las necesidades personales del guitarrista, e incluso personalizar con letras y diseños. Sin embargo, aún con todas estas opciones, de vez en cuando en el mercado aparecen plectros cuyas características los hacen únicos.

Starpics, una compañía australiana conocida por sus púas hechas de metal y piedras semipreciosas, creó un par ciertamente único. Como sus otras púas, estas están garantizadas para durar por siempre y reducir significativamente la rotura de las cuerdas al tener un diseño que reduce la fricción. Pero ¿qué hace tan especial a este par de púas?

QUE ESTÁN HECHAS DE METEORITOS.

Estas púas fueron hechas de meteoritos Gibeon. Estos meteoritos, cuya edad se calcula en 4 mil millones de años de antigüedad, fueron descubiertos por la ciencia occidental en 1836 en Namibia, Africa. El gobierno local prohibió su venta y exportación, sin embargo más de 25 toneladas fueron recuperadas, y actualmente es el meterorito más comunmente encontrado en el mercado. Por cierto, los meteoritos Gibeon esencialmente están compuestos de una aleación de hierro-níquel.

Uno de los aspectos más interesantes de los meteoritos es el patrón de líneas Widmanstatten, que se produce por su largo y frígido paso a través del espacio. Este patrón queda preservado en los meteroritos, lo que le ha aportado una belleza especial y única a estas singulares púas.

Las púas de guitarra más caras del mundo se vendes en par, y valen $5,000 dólares autralianos, unos $4,674 dólares americanos. ¿Cuantos pares quieres? 

Que bonito par de púas, ¿no crees?

Nota para 2015: la empresa Starpics ya no tiene sitio en internet, sin embargo aún se puede ver el catálogo de 2010 en la página de Facebook que dejó abierta.

Eric Clapton y Los Bajistas Que Han Jugado Un Papel Relevante En Su Música (Segunda Parte)

Rick Grech/Blind Faith

(Febrero de 1969-Enero de 1970)

Aunque de menor duración, el periodo con Blind Faith fue una extensión del lado más “popero” de Cream, con la llegada de Rick Grech, otro interprete de gran talento procedente del grupo de Roger Chapman, Family. Tras su gira americana, Clapton se fue a California con Delaney & Bonnie, mientras que Rick, por su parte, militó en las filas de Traffic y Airforce (Ginger Baker) y participó en el “Rainbow Concert” con Clapton en 1973. Murio en 1990.

Klaus Voorman/Plastic Ono Band

(Septiembre 13 de 1969)

John Lennon invitó a Clapton a tocar con él en un concierto benéfico celebrado en Canada llamado "Toronto Rock and Roll Revival". Les acompañaba al bajo Klaus Voorman, un extraordinario aunque poco apreciado interprete, que al igual que Tom McGuinness y Jack Bruce, había militado en las filas de Manfred Mann. Por cierto, Voorman fue el artista que diseñó la portada de "Revolver" de The Beatles.

Carl Radle/Delaney & Bonnie

(Enero-Marzo de 1970)

Eric se unió a ellos con el fin de huir de la popularidad. La sección rítmica de Radle, con Jim Gordon en la batería y Bobby Whitlock al teclado, le causaron un gran impacto a Clapton, cuya asociación con Carl estaba destinada a ser muy duradera.




Carl Radle/Primer Disco en Solitario -1970 y Derek & The Dominoes

(Mayo de 1970-Abril de 1971)

Para su primer disco en solitario, Clapton se sirvió de la sección rítmica de Radle, Whitlock y Gordon. Posteriormente declinó cualquier compromiso futuro con el grupo y se dedicó a tocar sesiones de grabación.
Layla and Other Assorted Love Songs [2 CD 40th Anniversary Deluxe Edition]

Carl Radle/Eric Clapton and His Band

(Abril 1974-Junio 1979)

Radle regresó y trajo consigo a Jamie Oldaker en la batería y a Dick Sims en los teclados. Eric aun podría haber seguido allí, de no haber sido por la muerte de Radle que sucedió en esa misma época.


Dave Markee

(Septiembre de 1979-Octubre de 1982)

Colaborador de estudio de Frank Zappa, los Rolling Stones y The Who, entre otros. Se le puede escuchar en Just One Night y Another Ticket.

John Bonham: Algunos Aspectos Técnicos Sobre Su Estilo Único E Innovador

John Bonham baterista de Led Zeppelin, también conocido por el sobrenombre de "Bonzo", fue un hombre de su tiempo, con el espiritu innovador y el talento necesario para inventarse un estilo totalmente diferente de tocar la batería en cuestiones de sonido, técnica y groove, que no solo sorprendió en su momento sino que sigue siendo considerado como uno de los más influyentes y originales.

Y no le fue fácil. Uno de los ingredientes de su estilo era golpear fuerte para conseguir potencia y volumen. En la década de los sesentas, en los clubes de música en directo de Inglaterra se instalaban unos limitadores de volumen que cuando saltaban por exceso de decibelios cortaban la corriente electrica del lugar por un buen rato. Muy pronto Bonham se hizo con una reputación en su contra por tocar muy fuerte y hacer saltar los limitadores varias veces en una misma noche. 

Genio incomprendido o bruto por naturaleza. llamenlo como quieran, el caso es que Bonham tocaba con mucho volumen, pero añadió a ese volumen muchas sutilezas. Era muy cuidadoso con su sonido: todos los grandes músicos son reconocibles por su sonido, ya que es su personalidad la que se manifiesta, y Bonham ciertamente tenía mucha personalidad. La primera particularidad es que usaba un kit con unas medidas muy grandes, algo que nadie usaba por entonces. En aquella época el estándar de bombo era de 20", mientras que él usaba uno de 26" con los dos parches puestos y una maza de madera. Durante un tiempo experimentó con dos bombos, pero tal experimento nunca salió del local de ensayo. Otros elementos de su set fueron un tom aéreo de 15" y timbales base de 16" y 18", así como una caja metálica de 14 x 6,5. Platos de charles (Hit Hat) de 15", ride de 24" y crashes de 16" y 18". Siempre utilizó baterías Ludwig de arce, aunque a lo largo de su carrera también utilizó en sus presentaciones en vivo kits con tambores construidos con fibra de plástico transparente y también de acero; experimentar era muy importante para él.

Bonham diseñaba las habitaciones donde grababa la batería. Salas muy grandes, con paredes y suelos de madera con mucha reverberación natural. Le gustaba grabar con micrófonos de ambiente. En algunas grabaciones clásicas de Led Zeppelin como en "When the Leeve Breaks" la batería está grabada solamente con dos micrófonos de ambiente. Cuando usaba más micrófonos nunca los acercaba al tambor como se hace normalmente, sino que los separaba bastante para conseguir un sonido más profundo. Esta forma de utilizar los micros era una parte muy importante de su estilo. Por su sonido gordo y con peso, uno puede llegar a pensar que Bonham afinaba sus tambores más bien graves con los parches sueltos, pero su afinación, aunque pueda parecer lo contrario, era más bien alta, con los parches bastante tensos.

La combinación de tambores muy grandes, afinados agudos, tocados muy fuerte y grabados en salas grandes con micrófonos de ambiente, era y sigue siendo una forma muy extraña de grabar la batería. Una forma que nadie pensaría ni entonces ni ahora que es lógica para conseguir buenos sonidos. Pero a él le funcionó muy bien, consiguiendo unos sonidos que siguen siendo hoy por hoy, en plena era digital, ejemplos de belleza y calidad, y prueba de que en cuestiones de arte no hay reglas.

Para profundizar más sobre el estilo de Bomham, aquí hay dos sugerencias de libros:        

John Bonham: The Powerhouse Behind Led Zeppelin
Led Zeppelin: Mothership (Drum Transcriptions)

Eric Clapton y Los Bajistas Que Han Jugado Un Papel Relevante En Su Música (Primera Parte)

Tom McGuinness/The Roosters

(Enero-Agosto de 1963)

El primer grupo de Clapton estaba dirigido por McGuinness. Aunque el último abandonó la agrupación para tocar con Manfred Mann, no está claro que fuese también el bajista de allí. Es más probable que tocara la guitarra.

Dave McCumisky/Casey Jones and The Engineers

(Septiembre de 1963)

Esta fue una experiencia muy corta para Clapton, ya que dos semanas más tarde reemplazaba a Anthony “Top” Topham en el recien formado The Yardbirds. En cuanto a McCumisky, es poco lo que se conoce de él.

Paul Samwell Smith/The Yardbirds

(Octubre de 1963-Marzo de 1965)

La agrupación es más recordada por haber sido la pista de despegue de tres gigantes de la guitarra: Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page (que en realidad se les unió al bajo). Durante el tiempo que Eric estuvo en el grupo, la sección de bajo estuvo a cargo de Paul Samwell Smith, un interprete de gran nivel, cuyos conocimientos musicales fueron muy beneficiosos para todo el conjunto y que acabó como productor de considerable merito de gente como Jethro Tull y Cat Stevens.
Greatest Hits, Vol. 1: 1964-1966

John McVie/John Mayall’s Bluesbreakers

(Abril-Agosto de 1965-Noviembre de 1965-Julio de 1966)

Cualquiera que aspire a tocar el bajo de blues debería echar un vistazo a fondo a la obra de McVie, considerado por muchos su último exponente debido a su sólida técnica y su renuncia a alejarse de los modelos establecidos. Eric se tomó un par de meses para viajar de gira por el mundo con The Glands (también conocidos como The Greek Loon Band), con Bob Ray como bajista, y a su regreso se encontró con que en los Bluesbreakers había habido un cambio en la sección de bajo. El primer encuentro con Jack Bruce fue breve, ya que McVie no estuvo mucho tiempo ausente, pero su presencia se dejó sentir.
Bluesbreakers with Eric Clapton

Jack Bruce/Cream

(Julio de 1966-Noviembre de 1968/Reunión de Cream 2005)

Al dejar los Bluesbreakers, Clapton se unió a Jack y Ginger Baker para formar Cream, donde se hacía mucho más hincapié en la pericia musical de cada uno de sus miembros. Aquí Clapton amplió su estilo interpretativo y comenzó a ser conciente de su potencial como vocalista y compositor. Sin embargo, la fuerza que propulsaba al grupo procedía de Bruce, sobre todo en los inicios. Cream es considerado por muchos su mejor trabajo, si bien sus capacidades como músico estaban por encima de lo que requería la banda, por lo que pronto comenzó con el tipo de música que se convertiría en su primer proyecto en solitario. 

The Very Best of Cream

John Lennon y Su Primera Guitarra

A menudo se repite la historia de que la Tía Mimi le compró a John su primera guitarra por 17 libras, pero no es cierto. Mimi ayudó más tarde a Lennon a comprar una guitarra lo que implicó su participación  con 17 libras, pero no fue su primera guitarra. El biógrafo de Lennon, Ray Coleman, describe como Lennon intentó primero engatusar a su tía y luego a su madre, Julia, para que le compraran una guitarra. Mimi no quiso porque pensó que afectaría sus estudios. Aún así, Lennon encargó una guitarra. Esta fue una Gallotone Champion. En 1964 Lennon recordaba: “Tenía unos 14 años cuando tuve mi primera guitarra. Era un viejo modelo español baqueteado que costo unas 10 libras. Se anunciaba en la revista Reveille como ‘garantizada contra roturas”.

La acústica Gallotone Champion era de construcción tosca, y comparada con una guitarra normal tenía un tamaño de unos tres cuartos y estaba hecha de maderas laminadas. La Champion era la Gallotone más barata –hacia 1955 debía costar unas 6 libras. El sonido y la ergonomía reflejaban su bajo precio, pero nada de esto fue impedimento para la ambición de Lennon. “Cuando era joven tocaba la guitarra como un banjo, con las seis cuerdas al aire”, recordaba Lennon. “Pensaba que Lonnie Donegan y Elvis Presley eran fantásticos y todo lo que hubiera querido hacer era improvisar un acompañamiento” dijo, refiriéndose a tocar acordes para acompañar una canción.

El banjista original de los Quarry Men, Ron Davis, recuerda que Lennon vapuleaba su guitarra Gallotone y frecuentemente rompía cuerdas: “De modo que cogía mi banjo y lo tocaba, y yo tenía que re-encordar su guitarra a tiempo para el siguiente tema. De hecho tocaba con tanta furia que se levantaba la piel del dedo índice y salpicaba sangre dentro de su guitarra”. En algún sitio alguien tiene una guitarra con manchas pardas en su interior, bajo la boca de sonido, ésa es la guitarra vieja de John.

Fuente:

Beatles Gear: All the Fab Four's Instruments from Stage to Studio (Book)
Babiuk, Andy

3rd revised edition.

Backbeat Books, London, 2009.

¿Cómo Saber Si Necesitas Cambiar Las Cuerdas De Tu Guitarra?

Sin importar que sea acústica o eléctrica, o de un diseño tradicional o muy vanguardista, sin cuerdas una guitarra simplemente no puede sonar, y esto se debe a que la mayoría de las partes del instrumento funcionan alrededor de ellas. Salvo algunas excepciones, cada parte de la guitarra ha sido diseñada específicamente para trabajar en conjunto con las cuerdas para que el instrumento produzca sonido, ya sea anclándolas, afinándolas, amplificándolas, y permitiendo su digitación.

Tan esenciales como son, las cuerdas también son la parte de la guitarra más parecedera: el material del que están hechas es sensible a la humedad y a la temperatura ambiental, además se mantienen tensas y vibrando constantemente, y bajo el efecto de la acción de las manos del intérprete. Todo esto hace que las cuerdas se dañen con relativa rapidez, lo que a su vez tiene un afecto negativo en el sonido de la guitarra. Por lo tanto, la condición de las cuerdas debe ser revisada con regularidad para mantener la calidad de sonido del instrumento. Si las cuerdas han tenido mucho uso o estan visiblemente dañadas, deben ser cambiadas.

Antes de cambiar las cuerdas, primero debemos hacer algunas preguntas:

1.     ¿Haz usado las mismas cuerdas los ultimos 2 meses?

2.     ¿Las cuerdas están oxidadas?

3.     ¿Las cuerdas están asperas?

4.     ¿Las cuerdas suenan apagadas?

5.     ¿Se ha roto alguna de las cuerdas recientemente?

Si haz respondido SI a algunas de estas preguntas, probablemente es tiempo de cambiar tus cuerdas.

Para Guitarras Eléctricas y Acústicas

Debido a la humedad en tus dedos y en el ambiente, las cuerdas se corroen y oxidan con el paso del tiempo, y su capacidad para vibrar disminuye. Esto no solo causa que el sonido se apague, sino también algo peor, el tacto de las cuerdas se vuelve áspero lo que incluso podría lastimar tus dedos. Las cuerdas también se pueden poner quebradizas por demasiada vibración; solo piensa como un clip de papel se rompe si lo retuerces demasiado, los mismo le pasa a las cuerdas.

Si tocas mucho, digamos por 2 horas al día todos los días, entonces deberías cambiar tus cuerdas cada mes. Si tocas menos, pero aún rasgueas casi todos los días, lo máximo que deberías dejarlas en la guitarra debería ser 2 meses. Por cierto, las cuerdas generalmente son baratas, costando alrededor de $6 por juego (compradas al por mayor son aún más baratas).

Existe una alternativa a cambiar tus cuerdas con tal frecuencia. Puedes comprar cuerdas cubiertas (coated strings). Estas duran por más tiempo debido a una cobertura sobre las cuerdas que previene la corrosión y que la suciedad se acumule. Algunas marcas de calidad son D'addario EXP, Elixir Nano y Polyweb, y GHS Coated Boomers. Las cuerdas cubiertas tienden a durar de 3 a 5 veces más que las cuerdas normales, por lo que las puedes dejar puestas por más tiempo. Sin embargo también necesitan ser cambiadas. Deberías hacerlo por lo menos cada 4 meses ya que son propensas a romperse por la vibración, como fue explicado anteriormente con la analogía del clip de papel. Las cuerdas cubiertas cuestan más sin embargo, alrededor de $12 por un juego de 6, pero duran más, por lo que son más efectivas en cuanto a costos.

Para Guitarras Clásicas
Las cuerdas de este tipo de guitarra están hechas de un entorchado mixto de metal y seda (4ta, 5ta, y 6ta cuerdas), o hechas completamente de nylon (1era, 2da, y 3ra cuerdas), por lo que son menos sucepctibles al óxido y duran más que las cuerdas de las guitarras acústicas y eléctricas. Sin embargo, con el uso constante tienden a estirarse más allá de su punto óptimo y pierden consistencia, por lo que producen un sonido apagado y se vuelve difícil mantenerlas afinadas. Debido a esto, también necesitan cambio con reguaridad, pero con menos frecuencia. Deberías cambiarlas cada 3 meses si no son cuerdas cubiertas, y cada 6 meses si son cubiertas. Dos marcas de cuerdas cubiertas para guitarra clásica recomendables son D'addario EXP y Elixir Nano y Polyweb.

Para Bajos

Las cuerdas de bajo son mucho más sustanciales y tienden a durar más y sostener su tono que las cuerdas de guitarra, sin embargo están sujetas a los mismos factores dañinos. Si tocas todos los días y deseas mantener el sonido de tu bajo a un nivel óptimo, cambia las cuerdas no cubiertas cada 6 meses, y cubiertas por lo menos una vez al año. Una marca muy buena de cuerdas cubiertas para bajo es Rotosound Nexus.


Hábitos De Limpieza
Independientemente de que tus cuerdas sean cubiertas o no, siempre mantenlas limpias. Para ello lava tus manos antes de tocar, y después de tocar pásales a las cuerdas, por encima y por abajo, un trapo seco y limpio para quitar los restos de sudor y particulas de piel que hayan quedado sobre ellas. También lava tus manos después de tocar, para remover el sudor y óxido que haya quedado en ellas. Además considera usar un acondicionador de cuerdas ya que este líquido mantiene la corrosión controlada. Buenos acondicionadores de cuerdas son el  Dunlop Ultraglide 65 String Cleaner & Conditioner, y GHS Fast Fret.

En Resumen

• Cambia las cuerdas no cubiertas de tu guitarra acústica/eléctrica por lo menos cada 2 meses, y cada 4 meses si son cubiertas.

• Cambia las cuerdas no cubiertas de tu guitarra clásica por lo menos cada 3 meses, y cubiertas cada 6 meses.

• Cambia las cuerdas no cubiertas de tu bajo cada 6 meses, y cubiertas por lo menos una vez al año.

Toma toda esta información como una referencia ya que la frecuencia con que se cambian las cuerdas de una guitarra o un bajo no es una ciencia exacta, pues depende de varios factores que van desde la humedad ambiental -en climas húmedos las cuerda pueden oxidarse en cosa de días- hasta el gusto del intéprete -algunos bajistas prefieren cuerdas algo envejecídas porque son más suaves al tacto, y tienen un sonido apagado y profundo- . Por lo tanto revisa las cuerdas periódicamente y dales mantenimiento, ya que independientemente de su tipo, la limpieza regular y un buen acondicionador pueden alargar la vida de las cuerdas considerablemente.

El mantenimiento regular de las cuerdas te puede evitar muchos enojos.