lunes, 31 de octubre de 2011

John Bonham: Algunos Aspectos Técnicos Sobre Su Estilo Único E Innovador

John Bonham baterista de Led Zeppelin, también conocido por el sobrenombre de "Bonzo", fue un hombre de su tiempo, con el espiritu innovador y el talento necesario para inventarse un estilo totalmente diferente de tocar la batería en cuestiones de sonido, técnica y groove, que no solo sorprendió en su momento sino que sigue siendo considerado como uno de los más influyentes y originales.

Y no le fue fácil. Uno de los ingredientes de su estilo era golpear fuerte para conseguir potencia y volumen. En la década de los sesentas, en los clubes de música en directo de Inglaterra se instalaban unos limitadores de volumen que cuando saltaban por exceso de decibelios cortaban la corriente electrica del lugar por un buen rato. Muy pronto Bonham se hizo con una reputación en su contra por tocar muy fuerte y hacer saltar los limitadores varias veces en una misma noche. 

Genio incomprendido o bruto por naturaleza. llamenlo como quieran, el caso es que Bonham tocaba con mucho volumen, pero añadió a ese volumen muchas sutilezas. Era muy cuidadoso con su sonido: todos los grandes músicos son reconocibles por su sonido, ya que es su personalidad la que se manifiesta, y Bonham ciertamente tenía mucha personalidad. La primera particularidad es que usaba un kit con unas medidas muy grandes, algo que nadie usaba por entonces. En aquella época el estándar de bombo era de 20", mientras que él usaba uno de 26" con los dos parches puestos y una maza de madera. Durante un tiempo experimentó con dos bombos, pero tal experimento nunca salió del local de ensayo. Otros elementos de su set fueron un tom aéreo de 15" y timbales base de 16" y 18", así como una caja metálica de 14 x 6,5. Platos de charles (Hit Hat) de 15", ride de 24" y crashes de 16" y 18". Siempre utilizó baterías Ludwig de arce, aunque a lo largo de su carrera también utilizó en sus presentaciones en vivo kits con tambores construidos con fibra de plástico transparente y también de acero; experimentar era muy importante para él.

Bonham diseñaba las habitaciones donde grababa la batería. Salas muy grandes, con paredes y suelos de madera con mucha reverberación natural. Le gustaba grabar con micrófonos de ambiente. En algunas grabaciones clásicas de Led Zeppelin como en "When the Leeve Breaks" la batería está grabada solamente con dos micrófonos de ambiente. Cuando usaba más micrófonos nunca los acercaba al tambor como se hace normalmente, sino que los separaba bastante para conseguir un sonido más profundo. Esta forma de utilizar los micros era una parte muy importante de su estilo. Por su sonido gordo y con peso, uno puede llegar a pensar que Bonham afinaba sus tambores más bien graves con los parches sueltos, pero su afinación, aunque pueda parecer lo contrario, era más bien alta, con los parches bastante tensos.

La combinación de tambores muy grandes, afinados agudos, tocados muy fuerte y grabados en salas grandes con micrófonos de ambiente, era y sigue siendo una forma muy extraña de grabar la batería. Una forma que nadie pensaría ni entonces ni ahora que es lógica para conseguir buenos sonidos. Pero a él le funcionó muy bien, consiguiendo unos sonidos que siguen siendo hoy por hoy, en plena era digital, ejemplos de belleza y calidad, y prueba de que en cuestiones de arte no hay reglas.

Para profundizar más sobre el estilo de Bomham, aquí hay dos sugerencias de libros:        
John Bonham: The Powerhouse Behind Led Zeppelin
Led Zeppelin: Mothership (Drum Transcriptions)



lunes, 24 de octubre de 2011

Eric Clapton y Los Bajistas Que Han Jugado Un Papel Relevante En Su Música (Primera Parte)


Tom McGuinness/The Roosters
(Enero-Agosto de 1963)
El primer grupo de Clapton estaba dirigido por McGuinness. Aunque el último abandonó la agrupación para tocar con Manfred Mann, no está claro que fuese también el bajista de allí. Es más probable que tocara la guitarra.

Dave McCumisky/Casey Jones and The Engineers
(Septiembre de 1963)
Esta fue una experiencia muy corta para Clapton, ya que dos semanas más tarde reemplazaba a Anthony “Top” Topham en el recien formado The Yardbirds. En cuanto a McCumisky, es poco lo que se conoce de él.



Paul Samwell Smith/The Yardbirds
(Octubre de 1963-Marzo de 1965)
La agrupación es más recordada por haber sido la pista de despegue de tres gigantes de la guitarra: Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page (que en realidad se les unió al bajo). Durante el tiempo que Eric estuvo en el grupo, la sección de bajo estuvo a cargo de Paul Samwell Smith, un interprete de gran nivel, cuyos conocimientos musicales fueron muy beneficiosos para todo el conjunto y que acabó como productor de considerable merito de gente como Jethro Tull y Cat Stevens.
Greatest Hits, Vol. 1: 1964-1966


John McVie/John Mayall’s Bluesbreakers
(Abril-Agosto de 1965-Noviembre de 1965-Julio de 1966)
Cualquiera que aspire a tocar el bajo de blues debería echar un vistazo a fondo a la obra de McVie, considerado por muchos su último exponente debido a su sólida técnica y su renuncia a alejarse de los modelos establecidos. Eric se tomó un par de meses para viajar de gira por el mundo con The Glands (también conocidos como The Greek Loon Band), con Bob Ray como bajista, y a su regreso se encontró con que en los Bluesbreakers había habido un cambio en la sección de bajo. El primer encuentro con Jack Bruce fue breve, ya que McVie no estuvo mucho tiempo ausente, pero su presencia se dejó sentir.
Bluesbreakers with Eric Clapton




Jack Bruce/Cream
(Julio de 1966-Noviembre de 1968/Reunión de Cream 2005)
Al dejar los Bluesbreakers, Clapton se unió a Jack y Ginger Baker para formar Cream, donde se hacía mucho más hincapié en la pericia musical de cada uno de sus miembros. Aquí Clapton amplió su estilo interpretativo y comenzó a ser conciente de su potencial como vocalista y compositor. Sin embargo, la fuerza que propulsaba al grupo procedía de Bruce, sobre todo en los inicios. Cream es considerado por muchos su mejor trabajo, si bien sus capacidades como músico estaban por encima de lo que requería la banda, por lo que pronto comenzó con el tipo de música que se convertiría en su primer proyecto en solitario. 
The Very Best of Cream





miércoles, 19 de octubre de 2011

John Lennon y Su Primera Guitarra


A menudo se repite la historia de que la Tía Mimi le compró a John su primera guitarra por 17 libras, pero no es cierto. Mimi ayudó más tarde a Lennon a comprar una guitarra lo que implicó su participación  con 17 libras, pero no fue su primera guitarra. El biógrafo de Lennon, Ray Coleman, describe como Lennon intentó primero engatusar a su tía y luego a su madre, Julia, para que le compraran una guitarra. Mimi no quiso porque pensó que afectaría sus estudios. Aún así, Lennon encargó una guitarra. Esta fue una Gallotone Champion. En 1964 Lennon recordaba: “Tenía unos 14 años cuando tuve mi primera guitarra. Era un viejo modelo español baqueteado que costo unas 10 libras. Se anunciaba en la revista Reveille como ‘garantizada contra roturas”.
La acústica Gallotone Champion era de construcción tosca, y comparada con una guitarra normal tenía un tamaño de unos tres cuartos y estaba hecha de maderas laminadas. La Champion era la Gallotone más barata –hacia 1955 debía costar unas 6 libras. El sonido y la ergonomía reflejaban su bajo precio, pero nada de esto fue impedimento para la ambición de Lennon. “Cuando era joven tocaba la guitarra como un banjo, con las seis cuerdas al aire”, recordaba Lennon. “Pensaba que Lonnie Donegan y Elvis Presley eran fantásticos y todo lo que hubiera querido hacer era improvisar un acompañamiento” dijo, refiriéndose a tocar acordes para acompañar una canción.

El banjista original de los Quarry Men, Ron Davis, recuerda que Lennon vapuleaba su guitarra Gallotone y frecuentemente rompía cuerdas: “De modo que cogía mi banjo y lo tocaba, y yo tenía que re-encordar su guitarra a tiempo para el siguiente tema. De hecho tocaba con tanta furia que se levantaba la piel del dedo índice y salpicaba sangre dentro de su guitarra”. En algún sitio alguien tiene una guitarra con manchas pardas en su interior, bajo la boca de sonido, ésa es la guitarra vieja de John.
Fuente:
Beatles Gear: All the Fab Four's Instruments from Stage to Studio (Book)
Babiuk, Andy

3rd revised edition.
Backbeat Books, London, 2009.

jueves, 13 de octubre de 2011

¿Cómo Saber Si Necesitas Cambiar Las Cuerdas De Tu Guitarra?

Sin importar que sea acústica o eléctrica, o de un diseño tradicional o muy vanguardista, sin cuerdas una guitarra simplemente no puede sonar, y esto se debe a que la mayoría de las partes del instrumento funcionan alrededor de ellas. Salvo algunas excepciones, cada parte de la guitarra ha sido diseñada específicamente para trabajar en conjunto con las cuerdas para que el instrumento produzca sonido, ya sea anclándolas, afinándolas, amplificándolas, y permitiendo su digitación.

Tan esenciales como son, las cuerdas también son la parte de la guitarra más parecedera: el material del que están hechas es sensible a la humedad y a la temperatura ambiental, además se mantienen tensas y vibrando constantemente, y bajo el efecto de la acción de las manos del intérprete. Todo esto hace que las cuerdas se dañen con relativa rapidez, lo que a su vez tiene un afecto negativo en el sonido de la guitarra. Por lo tanto, la condición de las cuerdas debe ser revisada con regularidad para mantener la calidad de sonido del instrumento. Si las cuerdas han tenido mucho uso o estan visiblemente dañadas, deben ser cambiadas.

Antes de cambiar las cuerdas, primero debemos hacer algunas preguntas:

1.     ¿Haz usado las mismas cuerdas los ultimos 2 meses?
2.     ¿Las cuerdas están oxidadas?
3.     ¿Las cuerdas están asperas?
4.     ¿Las cuerdas suenan apagadas?
5.     ¿Se ha roto alguna de las cuerdas recientemente?

Si haz respondido SI a algunas de estas preguntas, probablemente es tiempo de cambiar tus cuerdas.


Para Guitarras Eléctricas y Acústicas
Debido a la humedad en tus dedos y en el ambiente, las cuerdas se corroen y oxidan con el paso del tiempo, y su capacidad para vibrar disminuye. Esto no solo causa que el sonido se apague, sino también algo peor, el tacto de las cuerdas se vuelve áspero lo que incluso podría lastimar tus dedos. Las cuerdas también se pueden poner quebradizas por demasiada vibración; solo piensa como un clip de papel se rompe si lo retuerces demasiado, los mismo le pasa a las cuerdas.

Si tocas mucho, digamos por 2 horas al día todos los días, entonces deberías cambiar tus cuerdas cada mes. Si tocas menos, pero aún rasgueas casi todos los días, lo máximo que deberías dejarlas en la guitarra debería ser 2 meses. Por cierto, las cuerdas generalmente son baratas, costando alrededor de $6 por juego (compradas al por mayor son aún más baratas).

Existe una alternativa a cambiar tus cuerdas con tal frecuencia. Puedes comprar cuerdas cubiertas (coated strings). Estas duran por más tiempo debido a una cobertura sobre las cuerdas que previene la corrosión y que la suciedad se acumule. Algunas marcas de calidad son D'addario EXP, Elixir Nano y Polyweb, y GHS Coated Boomers. Las cuerdas cubiertas tienden a durar de 3 a 5 veces más que las cuerdas normales, por lo que las puedes dejar puestas por más tiempo. Sin embargo también necesitan ser cambiadas. Deberías hacerlo por lo menos cada 4 meses ya que son propensas a romperse por la vibración, como fue explicado anteriormente con la analogía del clip de papel. Las cuerdas cubiertas cuestan más sin embargo, alrededor de $12 por un juego de 6, pero duran más, por lo que son más efectivas en cuanto a costos.


Para Guitarras Clásicas
Las cuerdas de este tipo de guitarra están hechas de un entorchado mixto de metal y seda (4ta, 5ta, y 6ta cuerdas), o hechas completamente de nylon (1era, 2da, y 3ra cuerdas), por lo que son menos sucepctibles al óxido y duran más que las cuerdas de las guitarras acústicas y eléctricas. Sin embargo, con el uso constante tienden a estirarse más allá de su punto óptimo y pierden consistencia, por lo que producen un sonido apagado y se vuelve difícil mantenerlas afinadas. Debido a esto, también necesitan cambio con reguaridad, pero con menos frecuencia. Deberías cambiarlas cada 3 meses si no son cuerdas cubiertas, y cada 6 meses si son cubiertas. Dos marcas de cuerdas cubiertas para guitarra clásica recomendables son D'addario EXP y Elixir Nano y Polyweb.


Para Bajos
Las cuerdas de bajo son mucho más sustanciales y tienden a durar más y sostener su tono que las cuerdas de guitarra, sin embargo están sujetas a los mismos factores dañinos. Si tocas todos los días y deseas mantener el sonido de tu bajo a un nivel óptimo, cambia las cuerdas no cubiertas cada 6 meses, y cubiertas por lo menos una vez al año. Una marca muy buena de cuerdas cubiertas para bajo es Rotosound Nexus.


Hábitos De Limpieza
Independientemente de que tus cuerdas sean cubiertas o no, siempre mantenlas limpias. Para ello lava tus manos antes de tocar, y después de tocar pásales a las cuerdas, por encima y por abajo, un trapo seco y limpio para quitar los restos de sudor y particulas de piel que hayan quedado sobre ellas. También lava tus manos después de tocar, para remover el sudor y óxido que haya quedado en ellas. Además considera usar un acondicionador de cuerdas ya que este líquido mantiene la corrosión controlada. Buenos acondicionadores de cuerdas son el  Dunlop Ultraglide 65 String Cleaner & Conditioner, y GHS Fast Fret.



En Resumen
  • Cambia las cuerdas no cubiertas de tu guitarra acústica/eléctrica por lo menos cada 2 meses, y cada 4 meses si son cubiertas.
  • Cambia las cuerdas no cubiertas de tu guitarra clásica por lo menos cada 3 meses, y cubiertas cada 6 meses.
  • Cambia las cuerdas no cubiertas de tu bajo cada 6 meses, y cubiertas por lo menos una vez al año.

Toma toda esta información como una referencia ya que la frecuencia con que se cambian las cuerdas de una guitarra o un bajo no es una ciencia exacta, pues depende de varios factores que van desde la humedad ambiental -en climas húmedos las cuerda pueden oxidarse en cosa de días- hasta el gusto del intéprete -algunos bajistas prefieren cuerdas algo envejecídas porque son más suaves al tacto, y tienen un sonido apagado y profundo- . Por lo tanto revisa las cuerdas periódicamente y dales mantenimiento, ya que independientemente de su tipo, la limpieza regular y un buen acondicionador pueden alargar la vida de las cuerdas considerablemente.

El mantenimiento regular de las cuerdas te puede evitar muchos enojos.

Como Seleccionar La Mejor Guitarra Acústica Para Ti


Traducción del articulo de Björgvin Benediktsson “How to Select the Best Acoustic Guitar for You”

Yo soy un amante de la guitarra acústica. He estado tocando guitarra desde que era un niño pero no fue hasta que cumplí 22 años que comencé a querer mi guitarra acústica mucho más de lo que quise alguna vez mi guitarra eléctrica. Recientemente tuve que vender mi guitarra acústica. Suena raro, pero debido a restricciones de viaje no pude llevar todas mis guitarras conmigo, forzándome a vender mi preciosa acústica.

Ya que no podía vivir sin una buena guitarra acústica decidí poco tiempo después comprarme una nueva. Comprar una guitarra es un proyecto intenso para mi. Simplemente no puedo comprar guitarras en el Internet, y necesito evaluar cada opción antes de entregar mi dinero. Si estás en el mismo predicamento en el que yo estaba, mantén estas pocas sugerencias en mente cuando estés decidiendo sobre tu guitarra acústica. Te conseguirá una excelente instrumento, sin importar el presupuesto.


Toca Cada Guitarra Que Esté En Tu Rango De Precio
Cuando vayas a comprar tu instrumento, aparta algo de tiempo en la tienda para probar guitarras. Aparta también un presupuesto, y toca cada guitarra que esté dentro de ese presupuesto. Yo tenía un presupuesto de $350, el cual no es una gran cantidad pero por prueba y error me consiguió una guitarra de sonido sorprendente. No estoy bromeando sobre esto, si tienes intenciones serias en tu siguiente compra, debes probar cada guitarra en la tienda. Para mi, algunas rasgueadas a menudo me pueden decir todo acerca de una guitarra específica. Si te gusta el sonido, haz una nota mental y continua. No regreses a una guitarra en específico hasta que hayas probado todas. Quizás la primera que tocaste tenía un sonido tan sorprendente que hizo desaparecer a las otras. Pero a menos que pruebes cada una, podrías no encontrar la que es perfecta para ti.


Revisa Las Cuerdas
A las guitarras no les cambian las cuerdas muy a menudo en las tiendas, por lo que una guitarra de gran sonido podría sonar apagada y sin vida solo porque tiene las cuerdas gastadas. Yo le cambio las cuerdas a mi acústica cada tres meses porque puedo escuchar como la corrosión de las cuerdas le succiona la vida al instrumento. También siento que algunos calibres de cuerda son mejores para algunos modelos que otros. Un juego de cuerdas delgado a veces no le hace honor a la riqueza sonido de un instrumento, haciéndolo sonar brillante y agudo. Accidentalmente le puse un juego de cuerdas delgado a mi acústica vieja y el sonido cambió dramáticamente mal. No es necesario decir que rápidamente cambie las cuerdas a un calibre más grueso para conseguir de nuevo mi viejo sonido. Las cuerdas tienen mucho que decir en el sonido, especialmente en una guitarra acústica.
   
  
Revisa Si Zumba (Charlea)
Yo compré una guitarra acústica que creí que era realmente buena. Pensé, “Esta guitarra suena realmente bien por el precio, e incluso puedo sentir que las cuerdas están gastadas. Imagina como a de sonar con un juego nuevo de cuerdas”. Pero cuando la llevé a casa y comencé a tocarla por un rato, noté un zumbido de trastes que debí haber revisado ahí mismo en la tienda. Revisa cada problema técnico que la guitarra pueda tener, o muévete a otra si piensas que no vale la pena.


Averigua De Que Están Hechas
Cada tipo de madera suena de cierta manera. Dependiendo en que vas a usar tu acústica, solo para ejecución en vivo o principalmente en el estudio, algunas maderas podrían tener un sonido más balanceado recomendable para grabación por ejemplo. Para un análisis detallado de los diferentes tipos de madera, revisa el post en este mismo blog “Maderas Musicales: Firmas De Sonido”.


Revisa La Altura de las Cuerdas Sobre el Diapasón (Acción)
¿Suenan bien esos acordes abiertos? ¿Tañen muy bien? Que bueno, pero ¿haz revisado como suenan los acordes arriba en el diapasón? ¿Cuesta tocar esos “power chords” porque las cuerda están muy altas? Si la acción de la guitarra que estás probando es muy alta es una buena señal para buscar otra. Yo quiero que mis guitarras estén ajustadas apropiadamente desde el principio. Cuando ando por una tienda, tocando cada guitarra que puedo, ignoro completamente aquellas que tienen la acción muy alta.


Revisa Por Los Extras
¿Eres tan afortunado de encontrarte con una guitarra que viene con funda, púas y cuerdas nuevas? Genial! Revisa por cualquier extra que le puedas exprimir a la tienda. A veces puedes negociar cuerdas nuevas si haces un alegato convincente de que las cuerdas puestas están demasiado gastadas. Yo tuve la suerte de conseguir un descuento de $50 porque había una oferta en la tienda. Fíjate si es tu día de suerte, podrías conseguir algo bueno.


Asegúrate Que Este Bien Ajustada
Si encuentras tu guitarra de ensueño asegúrate que este bien ajustada la entonación. Si rasgueas un acorde abierto de Mi bien afinado, pero cuando comienzas a tocar arriba en el diapasón de repente suena un poco desafinado, la guitarra podría tener un problema de entonación. Obviamente, las tiendas de guitarra deberían estar concientes de estos problemas y no tener instrumentos que los tengan, pero a veces los pasan por alto. La mayoría de las tiendas ofrecen ajustes gratis para tu guitarra, especialmente si para empezar tiene un problema. No hay nada peor que descubrir estas cosas después de haberla llevado a casa. La molestia de llevarla de vuelta a la tienda se roba el placer de haber comprado una guitarra nueva.


Feliz Punteada
La próxima vez que te encuentres con un rollo de dinero en una mano, una púa en tu bolsillo y tus pies dentro de una tienda de guitarras, mantén estos simples consejos en mente. Te pueden ayudar a apartar de la guitarra de tus sueños aquellos instrumentos que no dan la talla. No tienes que comprar esa Martin de $2000 para conseguir una guitarra que suene bien. Si es apta para ti, suena bien y está ajustada apropiadamente, podría durarte mucho tiempo.


miércoles, 12 de octubre de 2011

Maderas Musicales: Firmas De Sonido (Segunda Parte)

Extracto traducido del artículo “Acoustic Guitar: A Buying Guide” de Sweetwater Music Instruments And Pro Audio. Fotos de muestras de madera tomadas de wood-database.com


Picea Roja (Red Spruce)
La picea roja es relativamente pesada, tiene una alta velocidad de sonido, y la más alta rigidez a través y a lo largo del grano de todas los tipos de madera usadas en la tapa. Como la sitka, tiene fuertes fundamentales, pero también un más complejo contenido de sobretonos. Las tapas producen los más altos volúmenes, pero también tienen una riqueza de sonido que retiene su claridad en todos los niveles dinámicos. En corto, la picea roja bien puede ser el santo grial de las maderas de tapa para guitarras acústicas con cuerdas de metal.





Maple (Maple)
El Maple, como resultado de su mayor peso y menor velocidad de sonido, puede ser claramente de sonido plano, un bendición disfrazada cuando una guitarra es amplificada a altos niveles de sonido. Es por esto que el maple es la madera de elección para la tapa de guitarras eléctricas. El maple de hoja ancha de la costas oeste de los Estados Unidos es el más suave y ligero de las familia del maple, con un grano de madera que parecen ondas. Aparte de un patrón visualmente hermoso, las fibras onduladas del maple “rizado” reducen la rigidez del grano largo y vibran más libremente (este es el secreto del sonido poderoso, brillante y claro de la Parker Fly, una guitarra de cuerpo sólido hecha con un cuerpo de maple rizado). En guitarras acústicas, diferentes especies de maple, tales como de hoja ancha, azucar, y garra de oso (bearclaw) tienden a ser más transparentes acústicamente debido a su más baja velocidad de sonido y su alto grado de reducción interna de sonido. Esto permite que las características tonales de la tapa sean escuchadas sin la adición de coloración tonal significativa. Los brazos hechos de maple puede impartir un tono brillante y “explosivo” que puede hacer mucho por reforzar el extremo agudo de una guitarra de cuerpo grande.





Aliso (Alder)
El aliso es una madera ligera que es altamente resonante, produciendo un tono lleno y rico. Cuando se usa para la construcción de guitarras de cuerpo sólido el aliso proporciona buenos bajos y medios, con el mejor desempeño en el rango medio bajo. El aliso también exhibe buenas características en los agudos, y duración del sonido (sustain).







 
Álamo (Poplar)
El álamo es un tipo de madera dura, fibrosa y densa pero ligera, que usualmente es resonante. Cuando el álamo es usado en guitarras eléctricas de cuerpo sólido, tiene un sonido excepcionalmente crujiente, a menudo descrito como “enérgico” y “activo”, e incluso “funky”. Las guitarras de álamo son elecciones ideales para ejecutantes que favorecen el chasquido de los micrófonos de una bovina (single coil) y los sonidos limpios.






Tilo (Basswood)
El tilo es ligero, rígido, y estable, lo que lo hace particularmente efectivo para mástiles y bajos, gracias a su excelente respuesta en graves.



 

Ébano (Ebony)
El ébano, tradicionalmente encontrado en los diapasones de violines, guitarras clásicas, y guitarras acústicas de alto nivel, tiene la más baja velocidad de sonido de todas las maderas comúnmente usadas, y tiene definidas características de amortiguación.  Mientras que esto no es un problema para guitarras de cuerpo grande hechas de picea roja o palo rosa brasileño, puede ser algo a considerar cuando se diseñan guitarras pequeñas, particularmente aquellas que usan maderas musicales menos resonantes para la tapa armónica y fondo.    

miércoles, 5 de octubre de 2011

Maderas Musicales: Firmas De Sonido (Primera Parte)


Extracto traducido del artículo “Acoustic Guitar: A Buying Guide” de Sweetwater Music Instruments And Pro Audio. Fotos de muestras de madera tomadas de wood-database.com






Existe un número de factores que determinan las propiedades tonales de la madera. Asimismo, las maderas musicales responden diferente en las manos de diferentes fabricantes. Pueden también manifestar diferentes características cuando son usadas en diferentes modelos de guitarra -incluso aquellos instrumentos construidos por el mismo fabricante. Ya sea que un tipo de madera suena bien o mal al final depende de quien está escuchando, así que cualquier intento de establecer distinciones solamente puede ser subjetivo.

Quizás el factor más importante que un lutier tiene que tomar en cuenta es la velocidad del sonido, lo que se refiere a la velocidad en la cual un material transmite la energía que recibe. Un lutier tiene que diseñar con materiales que faciliten la transmisión de energía vibracional. Los materiales dinámicos, aquellos con una alta velocidad de sonido o con un rango bajo de reducción de sonido, son los mejores facilitadores.

La mayoría de lutieres consideran que la madera escogida para la tapa armónica es el factor más importante para determinar la calidad tonal de un instrumento. También es interesante notar que la madera misma manifiesta diferentes características dependiendo de la parte de la guitarra en la que es usada. Los fabricantes de guitarras eléctricas con cuellos atornillados (bolt-on neck) han estado concientes desde hace mucho del hecho de que los materiales con los que se hacen el brazo y el diapasón pueden tener una influencia importante sobre el tono. El material de enlace, como los diapasones, no es fundamental en un instrumento, pero sirve para mejorar o limitar el efecto tonal de otras maderas en la estructura de la guitarra.

Es importante recordar que las especies de madera pueden ser responsables solamente de ciertos aspectos del tono de cualquier guitarra. Igualmente importantes son el diseño, la habilidad del fabricante, y la calidad individual de cada pieza de madera usada. La selección de la madera musical sin embargo, puede ser un factor determinante en la creación de una guitarra muy especial o una guitarra diseñada para un propósito específico.


Caoba (Mahogany)
Cuando es usada para la tapa armónica, la caoba tiene una relativamente baja velocidad de sonido (comparada con otras maderas usadas en la tapa), considerable densidad y un bajo contenido de sobretonos (overtones) produciendo un tono sólido, y respondiendo mejor en el extremo alto del rango dinámico. Las guitarras con tapa armónica de caoba tienen un tono fuerte con “pegada” que es apropiado para estilos de country blues. Cuando es considerada para la tapa posterior y los costados de la guitarra, la caoba tiene una relativa alta velocidad de sonido, lo que contribuye mucho a la coloración de los sobretonos. Mientras que se piensa que las guitarras hechas con palo rosa tienen un sonido metálico, las guitarras de caoba suenan más a madera. Los ejemplos más duros y densos de las caobas pueden manifestar las características de los palo rosas. Las tapas posteriores y costados de caoba tienden a enfatizar los bajos y altos. Los brazos de caoba ayudan a crear un rango tonal más calido, más “amaderado”. Lo mismo sucede cuando se usa como material de enlace.





Koa
La koa ha sido usada para tapas armónicas desde la segunda década del siglo XX. Esta Madera dura tiene una relativamente baja velocidad de sonido, considerable densidad y un bajo contenido de sobretonos. Por lo tanto, tiende a producir un tono sólido que responde mejor en el extremo alto del rango dinámico. La koa tiene un tono algo más hacia los medios, que funciona bien para ejecución rítmica y realmente brilla en guitarras hechas para ejecución de slide de estilo hawaiano. Para tapas posteriores y costados la koa tiende a comportarse como la caoba, en que añade coloración tonal, pero de nuevo, su énfasis es más en el rango medio.





Palo Rosa Brasileño (Brazilian Rosewood)
Todos los tipos de palo rosa contribuyen a la coloración tonal. El palo rosa brasileño es conocido por su alta velocidad de sonido y su amplio rango de sobretonos, y también se caracteriza por su fuerza y complejidad en el extremo grave, y una oscuridad general de tono en el resto del rango. Fuertes medios y altos también contribuyen a la riqueza de tono en los registros agudos. Las guitarras hechas con palo rosa también tienen una pronunciada cualidad de tono reverberante, causada por retardos audibles en el impulso inicial de ciertos armónicos. El palo rosa brasileño tiene una tremenda claridad en los bajos, y chispa en los agudos. Cuando se usa para brazos, el palo rosa brasileño añade chispa y tañido.





Palo Rosa De La India (Indian Rosewood)
El palo rosa de la India también es conocido por tener alta velocidad de sonido y un rango amplio de sobretonos, fuerza y complejidad en el extremo grave, y una oscuridad general de tono en el resto del rango. Fuertes medios y altos también contribuyen a la riqueza de tono en los registros agudos. El palo rosa de la India tiene una coloración general más densa y con más medios. Cuando se usa para brazos, el palo rosa de la India puede ayudar a engordar el rango medio.







Picea Sitka (Sitka Spruce)
La picea es el material estándar para tapas armónicas, siendo la sitka la especie más usada comúnmente. Su alta rigidez combinada con las características de bajo peso de la mayoría de las maderas suaves, la hace natural para la alta velocidad de sonido. Una fuerte relación de fundamental a sobretono le da a la picea sitka un tono directo poderoso capaz de retener su claridad cuando se toca con fuerza. Esto hace de la sitka una excelente elección para la madera de tapa para guitarristas cuyo estilo demanda una amplia respuesta dinámica, y un tono grueso y robusto. Por otro lado, la falta de sobretonos complejos en la sitka puede producir un sonido algo delgado cuando se toca suavemente -por supuesto, dependiendo del diseño de la guitarra y de otras elecciones de madera en su construcción.


sábado, 1 de octubre de 2011

Fisiología De La Guitarra: 5 Maneras Prácticas De Mejorar Tu Interpretación En La Guitarra (Segunda Parte)




3. Revisa Tu Agarre

  
Así que la manera en que agarras el plectro tiene una gran impacto en lo que eres capaz de tocar y que tan bien lo tocas, y cambiarlo es una manera excelente de forzarte a reevaluar tu técnica.
La mayoría de la gente sostiene el plectro entre los dedos índice y pulgar. Otros usan el pulgar y los dedos índice y medio, etc. Algunas personas fijan la palma de la mano al puente de la guitarra, y otras anclan el dedo meñique a la tapa frontal del instrumento. Todos estos enfoques tiene sus beneficios y desventajas y, en mi punto de vista, más que tratar de encontrar y adoptar un estilo “correcto”, lo ideal es desarrollar la flexibilidad de adoptar la técnica que mejor se ajusta a una situación determinada.
Como ya lo hemos discutido, la tensión es el enemigo, así que sobre todo necesitamos arrancar el hábito de tensionarnos. En lo que concierne a la mano que puntea, esto significa un par de cosas:
No más solo sostener el plectro lo suficiente para que esté seguro. Si tienes problemas con púas que se “escapan”, trata de rayar su superficie con un cuchillo para añadirles más agarre, o prueba el deliciosamente titulado Gorilla Snot “ayuda para el agarre” (moco de gorila), que es un tipo de resina que se aplica a los dedos para prevenir el deslizamiento. Vale la pena notar, por cierto, que si pruebas un plectro desconocido, tu agarre es a menudo una de las primeras cosas que van a presentar problemas, que sin embargo son generalmente transicionales. Es probable que, después de algunas semanas, tu agarre se haya ajustado y no necesitarás utilizar métodos creativos para mantener la púa en tu mano.
Evita la tendencia de “plantar” la mano que puntea sobre la guitarra, y en su lugar desarrolla la habilidad de dejar tu mano flotar relativamente libre sobre las cuerdas, solamente “anclando” cuando sea necesario. Al “recostarte” sobre la guitarra, probablemente estás añadiendo tensión innecesaria a tu brazo.

4. Revisa Tu Otro Agarre


¿Qué me dices de tu mano sobre el diapasón? Como ya lo hemos discutido, los principiantes tienden a agarrar el mástil muy fuerte y, si no desaprendemos esto completamente, es muy probable que estemos obstruyendo nuestra propia facilidad de movimiento por la demasiada fuerza y la tensión muscular innecesaria.
Los guitarristas clásicos y entrenados formalmente tienden a una posición sobre el diapasón donde el pulgar se coloca en el centro de la parte posterior del brazo, con los dedos presionando más o menos perpendiculares al diapasón. Puede parecer incomodo y poco natural, especialmente comparado al más conocido agarre de “blues” (pulgar sobre la parte superior del brazo y los dedos planos sobre las cuerdas), pero de hecho permite mucha más precisión y movilidad.
Como he mencionado antes, cada tipo de agarre tiene sus ventajas y desventajas y, para aplicaciones típicas, aprender a disponer de ambas en tu caja de herramientas es tiempo bien gastado. Para mi, el punto es usar la menor cantidad de fuerza y tener la menor cantidad de piel en contacto con el brazo como sea posible para cualquier tarea dada, ya que haciendo esto se asegura mayor facilidad de movimiento, y minimiza el esfuerzo y cansancio.
Obviamente, la posición clásica no facilitará el bending de cuerdas -no se puede aplicar la fuerza requerida en la dirección requerida- pero, del mismo modo, el agarre de blues no es el ideal para una ejecución rítmica ágil, porque se estaría aplicando mucha tensión en la dirección equivocada, y la mayor parte de la mano está en contacto con el brazo.



Así que trata de trabajar con ejercicios lentamente -quizás algunos cambios de acorde típicos, algunas líneas melódicas, algo de solos de blues- y pon atención a la posición y agarre de tu mano sobre el diapasón. Busca tensión, exceso de fuerza, ángulos incómodos, y trata de minimizarlos. Probablemente descubrirás que necesitas ajustar como te sientas con la guitarra o, si tiendes a tocar parado, la altura de la guitarra con la correa. Sin embargo no te preocupes, artistas como Tom Morello (Rage Against The Machine) y Ben Weinman han vuelto de moda usar la guitarra a la altura del pecho.

5. Cambia Tu Programa


¿Cómo prácticas normalmente? ¿Tienes un programa establecido de calentamiento, piezas y técnicas para trabajar, o solo improvisas junto con tus pistas favoritas y paras aquí y allá para trabajar los pedacitos más difíciles?
En cualquier caso, es fácil atascarse en una rutina y desarrollar un tipo de visión de túnel sobre tu ejecución, por lo que hacer algo para romper tu rutina usual y probar cosas nuevas, incluso solo por algunos días, puede realmente ayudar a refrescar las cosas.
Generalmente, el mejor enfoque de práctica es simplemente saber que es lo que quieres alcanzar y dedicar tiempo a ello regularmente. Mientras te mantengas enfocado en alcanzar una meta específica, incluso por solo 20 o 30 minutos cada día, deberías observar una mejoría constante. Más importante que eso, sin embargo, es que tu práctica sea divertida: hacer la misma cosa día tras día se vuelve aburrido, ya sea practicar escalas o tocar Highway to Hell y Whole Lotta Love, si no estás atraído por la actividad, nada se te va a “pegar”.
Así que ¿porqué no hacer alguna actividad a la que no estás acostumbrado -cualquier cosa desde aprender una escala mayor por todo el diapasón, hasta aprender a tocar junto a una pieza favorita de principio a fin- y darle 30 minutos al día durante una semana? Lo que hagas depende de lo que estés acostumbrado, ya que el punto es tener un cambio, pero si estuvieras atascado por ideas, intenta recorrer algunos foros de guitarra y averigua como otros utilizan su tiempo de práctica. Lo que sea que hagas, ya que es nuevo para ti, úsalo como una oportunidad de bajar la velocidad, relajarse, y poner atención en como estás interactuando con la guitarra.
Personalmente, yo estoy en el campamento de los que tocan e improvisan junto con discos, y siempre he encontrado difícil comprometerme a la comparativamente aburrida práctica de aprender escalas, ejercicios y más. Cuando me siento atrapado en una rutina, decido aprender escalas por todo el diapasón tocando encima de las pistas generadas por la función Magic GarageBand del programa de Apple GarageBand.
Hacer esto le dio vida a las escalas e hizo que usarlas se sintiera mucho como mi rutina usual de ejecución, lo que es decir, tocar e improvisar!

Concluyendo
Espero que hayan algunas ideas aquí que te puedan ayudar a repensar tu enfoque de la guitarra desde el principio básico de trabajar con tu cuerpo, en lugar que pelear con él. Cómo todo, toma tiempo, por lo que no hagas demasiado inmediatamente, y separa las cosas en bloques que puedas manejar.
¡Feliz rasgueada!