sábado, 28 de diciembre de 2013

Mejorando El Sonido De Tu Batería De Forma Barata, Simple, Y Efectiva.

Si eres un baterista inquieto, seguramente siempre estás tratando de mejorar el sonido de tu instrumento. Hay maneras caras y especializadas de hacerlo, pero también baratas, simples, y efectivas. Dejemos las primeras a los especialistas y enfoquémonos en las segundas, las que aplicadas con un poco de cuidado y sentido común pueden tener un efecto importante en el sonido de tu batería.

Reemplaza Los Parches
Vamos a comenzar por lo más esencial, que por serlo, muy a menudo se pasa por alto: la edad y calidad de los parches de tu batería. Si nos has reemplazado los parches de tu batería desde el día que la compraste, digamos mediados de junio de 2008 (jaja :D), quizás ya es hora que los reemplaces, ¿no crees?
Si tus parches lucen así, ya es hora que los reemplaces.

No solo enfócate en cambiarlos con cualquier parche nuevo porque están viejos y usados, también trata de conseguir lo mejor que pueda pagar tu dinero. Así que la próxima vez que no te guste el sonido de tu batería, no culpes que la compraste ofertada, o que no has practicado mucho los últimos dos meses; en su lugar revisa los parches, y cambialos si es necesario, ya que los parches viejos vibran irregularmente y pierden la afinación con facilidad (en caso que aún los puedas afinar). Además, cambiar parches puede ser divertido, ya que te permite experimentar.

Encera El Borde De Soporte Del Casco
Aplicar cera en el borde del casco de los tambores de tu batería disminuirá la fricción con el parche, y mejorará la vibración del mismo. Puedes usar una candela, parafina, o cera de abeja que es la mejor de las tres. Simplemente frota la cera sobre los bordes antes de colocar el parche, tratando de crear una capa delgada. Si puedes, consigue el Bearing Edge Conditioner que es un producto especializado para esta tarea, producido por la empresa DrumDial, dedicada a la fabricación de afinadores de batería.
El acondicionador de DrumDial, siendo aplicado sobre el borde de soporte del casco de una caja.
      
Revisa El Borde Del Casco
El borde del casco de un tambor puede tener forma redondeada o angular, y su función es soportar el parche, de ahí que se le llame también "borde de soporte". La uniformidad del borde de soporte es un aspecto desconocido por la mayoría de bateristas nóveles, y es muy importante, ya que si bien hay varias razones por las cuales un tambor no se puede afinar apropiadamente, el borde de soporte debe ser el primer lugar que debes revisar. El borde de soporte debe tener una forma regular y uniforme. Examinalo pasando un dedo sobre el mismo con el fin de averiguar si tiene abolladuras, o esta mellado. Si encuentras alguna irregularidad y no es muy grande, tu mismo, con la ayuda de una lija fina, puedes emparejar el borde; solo hazlo despacio y cuidadosamente, revisando constantemente tu trabajo para que no sobrelijes la parte, y deformes el borde. Si la irregularidad es grande, vas a tener que llevar el tambor con una persona calificada que lo haga por ti.
Tres muestras de la forma que el borde de soporte del casco de un tambor puede tener.

Asegúrate Que Los Parches Encajan Apropiadamente
Algunos modelos de tambor vienen cubiertos por una capa de plástico decorativa, lo que aumenta el diámetro del borde del casco. Este aspecto puede hacer que los parches nuevos quedan muy apretados por lo que no vibran libremente. Para solucionar esto, recorta o retira gradualmente la cubierta de plástico que esta sobre o cerca del borde, y ve probando el ajuste del parche hasta que vibre libremente. Ten cuidado de no mellar el borde del casco para evitar irregularidades en su forma que podrían afectar el sonido del tambor (ver párrafo anterior).

Experimenta Con Diferentes Tipos de Baquetas Y Puntas
Para encontrar ese sonido que estás buscando necesitas experimentar un poca más. Un buen punto para empezar es probando con diferentes tipos de baquetas y puntas. Compra modelos cuya punta sea diferente en forma, material, y tamaño, al que has estado usando los últimos meses. También prueba con baquetas de diámetro grande. Pon atención y te vas a dar cuenta que hay diferencias grandes en el sonido que produce cada baqueta.
Partes de una baqueta, tipos de punta, y códigos de modelo para baquetas con punta de madera y punta de nylon. Cortesía de Happy Frog Drums.

Aumenta La Duración Del Sonido De Tu Tom De Piso
Bateristas experimentados han notado que el sonido del Tom de piso dura más, cuando sus patas tienen coberturas de goma y estas hacen contacto completo con el suelo. Revisa el estado de las gomas para ver si están gastadas de su base, o ya están perdidas, y reemplazalas. También revisa si están hechas de plastico duro; de ser así, busca reemplazos de goma flexible.
Los pies de goma de calidad aumentaran la duración del sonido de tu Tom de piso.

Ajusta El Mazo Del Pedal Del Bombo

El mazo debe golpear el parche tan cerca del centro como sea posible, para maximizar la resonancia y tono del tambor. Será fácil ajustar el mazo si tocas con un bombo de 22". Pero si tocas con un bombo de 20" o más pequeño, o de 24" o más grande, te será más difícil conseguir que el mazo golpeé justo en el centro. Por supuesto, puedes aumentar o disminuir la altura del mazo ajustando la barilla que lo soporta, sin embargo al hacerlo existe el riesgo de disminuir la respuesta del pedal. Existen compañías que hacen pedales especialmente diseñados para bombos grandes y pequeños, o accesorios que ayudan a elevar el pedal del suelo para alcanzar una altura deseada sin comprometer la respuesta del pedal; investiga en el internet para ver que opciones hay, y si están a tu alcance. De cualquier manera, haz varias pruebas con el pedal que tienes hasta encontrar la posición óptima del pedal y mazo en relación del centro del parche, y no te desanimes si no pegas en el centro la primer vez ;-)
Afina tu puntería, y pégale al centro de ese bombo.

Alinea Y Desenreda Los Bordones De La Caja (Las Charras)
Los bordones o charras de la caja deben estar alienados con el centro del tambor, y no estirados hacia un lado u otro. Además deben estar desenredados, y correr paralelos una al lado del otro. Los bordones desalineados y enredados no van a vibrar o lo harán irregularmente, y van ahogar el sonido de la caja. 
Disciplina los bordones de la caja colocándolo apropiadamente.

Reduce Los Sobretonos Del Ride
Colocar un pedazo de "duct tape" de 3/4" de ancho debajo del Ride, disminuirá los sobretonos del plato y enfocará su sonido brillante. El largo y posición del duct tape y el efecto deseado depende mucho del sonido que estés buscando, y mucha experimentación. El duct tape es una solución barata para la reducción de sobretonos y el amortiguamiento de sonido, y no solo sirve para el Ride, también lo puedes utilizar para refinar el sonido de los tambores. De nuevo, se trata de experimentar incansablemente hasta encontrar el sonido que buscas. Nunca te rindas!
Un buen ejemplo del uso de "duct tape" para reducir los sobretonos de un  plato nos lo trae  Alex Cooper del grupo Katrina & The Waves.

Estas solo han sido algunas sugerencias para que mejores el sonido de tu batería. Obtén más información con profesores y profesionales, o únete a un foro de bateristas para conocer más y compartir lo que sabes. Siempre practica y experimenta mucho para volverte un verdadero animal en la bateria :D



lunes, 7 de octubre de 2013

Cómo Convertir Una Idea Musical En Una Canción Producida Profesionalmente

Siempre es muy emocionante hacer canciones nuevas, y más aún sabiendo que se podrían convertir en un gran éxito. Sin embargo, aunque tengas muchas ideas buenas para tu música, convertir tales ideas en canciones, o álbumes completos, puede ser una tarea muy difícil, especialmente si la producción musical es un tema nuevo para ti. 

Una canción comienza usualmente con una buena melodía, o con una buena letra. Luego se agregan los acordes, y se le da una estructura, y finalmente la canción se graba, y pasa a la etapa de posproducción.

A continuación voy a desglosar en ocho pasos el proceso para convertir una idea musical, en una canción completa.

1. La Melodía
Un buen punto para comenzar una canción es la melodía. Para darte una idea de como pensar en una melodía, piensa en una canción que te guste, y luego tararea la "tonadita", es decir la melodía que canta el vocalista, pero sin la letra. Bueno, pues ese fragmento musical es la melodía de la canción. Puede que suene muy básico, pero este elemento es el corazón de una canción. Cuando pienses en una melodía nueva, hazla atractiva, ya que a este elemento musical es el que la mayoría de oyentes se conecta.

2. La Letra
Una buena melodía necesita una letra que exprese las ideas y pensamientos del compositor. La letra la puedes hacer tu solo, o dejárselas a un liricista, es decir alguien que se dedica exclusivamente a escribir letras para canciones. La melodía y la letra son intercambiables, es decir que no tienes que hacer una o la otra primero, tu deja que la musa te inspire, y si no llega, ve a buscarla tú y atrápala!

3. El Arreglo
Crear un fondo musical para la melodía y la letra es lo que se conoce como arreglo, y está formado de acordes y ritmos, que pueden ser tocados solo con una guitarra, piano, trompetas, percusión, sintetizadores, y secuenciadores. Un arreglo es muy importante porque realza grandemente la melodía y la letra. Dependiendo del tipo de arreglo que necesites para tu canción, quizás vas a tener que contratar músicos de sesión, que son artistas pagados a quienes debes dar las guías de como quieres que suene tu canción; esto es muy importante si le quieres dar un estilo particular, o si quieres que entre dentro de un género específico como jazz, salsa, o rock. Por cierto, hay gente que se dedica exclusivamente a hacer arreglos musicales, y se les llama arreglistas.

4. La Preproducción
Una vez que la música y letra de una canción está finalizada, es necesario practicarla hasta que salga con el carácter adecuado, y sin ningún error. Esta etapa es muy interesante y valiosa ya que permite evaluar la canción en su totalidad, da la oportunidad de tocarla con diferentes tempos, y hacerle otros arreglos.

5. La Grabación De Estudio
Una vez que la canción ya tiene sus arreglos finales, y está bien ensayada, es hora de solicitar tiempo en un estudio de grabación. Asegúrate que tú, y los músicos que te acompañan, han ensayado muy bien la canción, para evitar errores que van a alargar la sesión de grabación y hacerla muy cara. Si tu canción fuera electrónica, podrías llevar todas las secuencias listas, y grabar solamente las voces. Si tu canción fuera de géneros como el rock, o el jazz, por ejemplo, vas a tener que grabar todos los instrumentos en el estudio, y hacer algunas tomas previas para asegurarse de que todos los instrumentos estén afinados, y los músicos estén tocando con el mismo tempo.



6. La Edición
Una vez que se ha grabado la versión final de la canción, ésta se le entrega al ingeniero de sonido para que edite sus pistas individualmente. El ingeniero, entre varias tareas, se encarga meticulosamente de retirar ruidos, y errores de la grabación, e incluso de corregir la afinación y el tempo de los instrumentos de ser necesario.

7. La Mezcla
Al llegar a esta etapa, el ingeniero ya tiene todo lo que necesita para mezclar la canción. La mezcla es la parte más crítica de la fase de producción, ya que determina en gran medida la calidad de sonido que la canción va a tener. Cada una de las pistas, incluyendo instrumentos y voces, son emparejadas, balanceadas, y ecualizadas, para que la canción suene uniforme, pero con potencia.

8. El Masterizado
Una vez que la canción ha sido mezclada, tiene que ser masterizada por un ingeniero especializado. Este proceso es el último paso en la producción profesional de una canción, y consiste en ecualizar, emparejar, y balancear la canción una vez más, pero esta vez con el fin de crear una copia maestra (el "master") de donde se van a hacer todas las copias que serán distribuidas. Para el masterizado generalmente se contrata a otro estudio que esté especializado en ese proceso. El masterizado le da la ecualización y volumen final a la canción para que esta suene limpia y profesional en cualquier medio que sea ejecutada (radio, televisión, computadoras, etc.). Una vez que la canción está masterizada, ya está terminada.

Ahora que la canción ya está lista, necesita ser escuchada. Para ello hay que mercadearla y promoverla por medio de las redes sociales y blogs, si fueras un artista independiente, o por medio de servicios profesionales de mercadeo, y compañías discográficas, si fueras un artistas de contrato.

Bien, ahora ya tienes una buena idea de que consiste el proceso de producir profesionalmente una canción. Por supuesto, aquí solo traté las generalidades de cada paso, sin embargo cuando vayas a hacer tu próxima canción, puedes usar la información aquí expuesta para estructurar el proceso de su producción, para que tengas un resultado profesional. Siempre investiga e infórmate todo lo que puedas, y asóciate con otros músicos que quieran hacer canciones de calidad y bien producidas.


¡Deseo que tu próxima canción se convierta en un gran éxito!


lunes, 16 de septiembre de 2013

Cómo Vencer El Miedo Escénico

¿Alguna vez has sentido nauseas, y tenido las manos frías y sudorosas antes de subirte al escenario a tocar? Yo sí.  Estas son manifestaciones físicas del llamado “miedo escénico”. El miedo escénico se manifiesta en diferentes grados, llegando incluso a no permitirle a un artista llevar a cabo su actuación.

Aunque muchos artistas reconocidos parecen extrovertidos naturalmente o interpretes de gran naturalidad, entre ellos el miedo escénico es más común de lo que se piensa. Músicos tales como, Eddie Van Halen, David Bowie, John Lydon (Johnny Rotten), Bob Dylan, Brian Wilson, Rod Stewart, Adele, Ozzy Osbourne, y Rihanna, son sólo algunos de los artistas que han confesado padecerlo.

Entonces ¿Qué Es El Miedo Escénico? 
"Decir que sufro de nervios antes de un show, es como decir que si uno es golpeado por una bomba atómica, ésta solo duele un poco." comenta Ozzy Osbourne en su autobiografía de 2010, I Am Ozzy.

El miedo escénico o ansiedad de actuación, es considerado por muchos psicólogos una fobia real. El nerviosismo o "mariposas" en el estómago, es una respuesta humana natural a la actuación en público, ya sea tocando música, en eventos deportivos, o hablando en público. La adrenalina naturalmente producida por el cuerpo, de hecho te puede hacer actuar muy bien. Sin embargo, en casos más graves te puede producir reacciones biológicas mucho más fuertes. Los músculos pueden contraerse, y el cuerpo puede tener subidas repentinas, y también caídas de energía. Los vasos sanguíneos de las extremidades pueden contraerse, lo que resulta en entumecimiento y hormigueo, y un aumento en la frecuencia cardíaca provoca sudoración. ¿Te suena familiar? Pues no estás solo. El miedo escénico puede ser considerado una respuesta de alarma natural del cuerpo humano a lo que un artista ha considerado como una situación de emergencia. Pero, ¿por qué tantos artistas, claramente con talento para actuar enfrente de un público, responden como lo harían ante una situación de emergencia? 

“El público me da miedo”, contaba la cantante Adele en una entrevista para la revista Rolling Stone en 2011. “Me asusto mucho. En un show en Amsterdam, estaba tan nerviosa que escapé por la salida de emergencia. He vomitado un par de veces. Una vez en Bruselas, le vomité a alguien encima.”

Los músicos son (somos) gente compleja. Ellos tienen un don, y mientras más elevada es su habilidad, más raro es ese don. Sin embargo, numerosos estudios sicológicos indican que los músicos son propensos a ser inseguros de si mismos, a tener problemas de autoestima, al abuso de drogas, y a tener reacciones extremas a los eventos cotidianos.

Para entender el miedo escénico en los músicos, tenemos que considerar el tipo y tamaño de tarea al que estos artistas se tienen que enfrentar con regularidad:
  • ¿Componer y tocar para uno mismo? No es problema, mientras el juez sea uno mismo. 
  • ¿Audicionar para una banda? Eso es más difícil, porque uno quiere ser uno mismo, mientras se intenta agradar a otros que hacen lo mismo que uno (tocar). 
  • ¿Un recital solista en un restaurante o café? Eso es difícil porque uno está por su propia cuenta.
  • ¿Un presentación más grande? o ¿estar de gira? Eso es difícil también ya que implica tocar para grupos grandes de personas, el cumplimento de fechas, horarios, y el manejo de equipo y de personal. 
  • ¿Una sesión de grabación? Es difícil porque el músico está presionado por el tiempo y los costos, lo que a su vez compromete su arte. 
Considerando estas situaciones, no es sorpresa que haya mucha presión sobre los músicos. A esto hay que agregarle la presión de la crítica del público, y con la masificación de las redes sociales, y la inmediatez del internet, la opinión sobre una presentación, ya sea positiva o negativa, puede llegar en tiempo real a los ojos y oídos de un artista.


Consejos Para Vencer El Miedo Escénico 
Si bien no existe una solución infalible para vencer la ansiedad que te pueda producir actuar para un público, si existen algunos consejos prácticos que te pueden permitir vencer el miedo escénico gradualmente.
  1. Aprende a respirar mejor: aprender a respirar desde el diafragma te puede ayudar a sentirte más calmo cuando estas nervioso. Una respiración natural y calmada puede evitar la hiperventilación, que es una de las reacciones físicas que se manifiestan cuando alguien entra en pánico. La hiperventilación produce mareos, hormigueos, dolor de cabeza, y hasta desmayos y convulsiones. Aunque creas que ya sabes todo a cerca de la respiración, escribe en tu bsucador de Internet favorito "ejercicios de respiración" y verás la cantidad de información útil que hay para mejorar esta función básica biológica que muy a menudo damos por sentado.
  2. Piensa físicamente: tocar un instrumento musical es una acción física, por lo mismo te sentirás menos nervioso si haces una sesión de calestenia antes de una presentación. Esta sesión puede consistir de ejercicios para manos y brazos, o incluso una rutina de yoga que a su vez involucre ejercicios de respiración. Puedes incluir después de la rutina una bebida caliente como té de yerbabuena o gengibre, que son conocidos por calmar estomagos nerviosos. O simplemente puedes apretar una pelota de esponja, o masticar chicle. 
  3. No te aisles en el escenario: es fácil aislarse en un escenario, especialmente si no eres la o el vocalista/lider de la banda, y ya estás nervioso. Una manera de conquistar los nervios que acompañan el inicio de un concierto es interactuar con el público presente. Haz contacto visual con ellos, agradece sus aplausos, responde a sus saludos educadamente. Estar conciente de que un cocierto es una experiencia grupal te va a ayudar a sentirte más calmo. Además, interactuar con el público puede ser divertido. Ah, y que no se te olviden tus compañeros de banda, interactua y diviertete también con ellos.
  4. Habla!  como ya se mencionó arriba, interactuar con el público puede ayudar a calmar los nervios. Asi que, si acaso te equivocaras durante una canción, pues solo para y di "lo siento, vamos a comenzar de nuevo" y sigue como si nada. Yo recuerdo haber visto artistas en vivo y en televisión confundirse durante una de sus canciones, y simplemente pararon, se excusaron, y comenzaron de nuevo, y nadie los abucheo, al contrario, el público los aplaudio por su valor y honestidad.
  5. Practica: no hay mucho que explicar aqui. La práctica constante en tu instrumento te da más confianza a la hora de tocar en público. Además, si tocas en una banda, es fundamental el ensayo constante con los otros miembros. No des por sentado que tus compañeros saben donde empieza y termina tu solo, por ejemplo, ensáyalo bien con ellos. Ya sea en una banda, o en solitario, ten una lista establecida de las canciones que vas a tocar. No improvises hasta que te sientas cómodo ante el público.
  6. No bebas mucho: todos aquellos que han consumido bebidas alcoholicas saben que un par de tragos pueden bajar las inhibiciones, y relajar, sin embargo tiene que haber un límite para eso. Beber demasiado antes de un concierto altera las habilidades físicas y mentales, lo que no permite tocar bien. Además la costumbre de beber siempre antes de una presentación, con el tiempo, aumenta la ansiedad. No está de más mencionar aquí el caso de la desaparecida Amy Winehouse, quien a pesar de su gran talento, padecía de un gran miedo escenico. Para lidiar con esta situación, Amy bebía en exceso antes, durante, y después de cada concierto, y pues no es necesario mencionar aquí como termino su vida esta talentosa mujer.
  7. Manten la perspectiva durante una presentación: puede que sientas que todo el mundo te esta viendo durante una presentación. La verdad es que no es así. Muy a menudo, durante un concierto, las personas asistentes van a estar hablando con sus amigos, tomándose un trago, o comiendo. Recuerda que todos tienen una vida más allá de tu presentación, por lo que no hay que poner demasiada atención a lo que están haciendo. Por otro lado, si la gente parece estar más interesada en otras cosas que en tu música, o se van del lugar, no te lo tomes personal, no creas que tu los estás aburriendo, simplemente sigue dando tu show, disfrutalo, y entretiene a aquellos que se quedan o que ponen más atención.
  8. Acepta tu ansiedad: es muy normal tener miedo o nervios cuando uno se sube al escenario. Recuerda, es NORMAL. Después de tocar un par de canciones bien, el miedo desaparece. Con el tiempo, los nervios se convierten en una expectativa emocionante de lo que va a pasar. Después de todo, subirse a un escenario es muy, muy emocionante, o no?
  9. Sonríe! quizás sonreir no vaya con los metaleros, pero es bueno saber que la sonrisa es contagiosa. Si sonríes, otra gente sonríe, si parece que te estás diviertiendo, otros se divertiran también. Por cierto, la sonrisa y la risa, liberan endorfinas, lo que seguramente te relajará (mira los puntos 3 y 4).
  10. Reinvéntate a ti mismo: si bien ser "alguién más" no es para todos, crear un alter ego ha ayudado a muchos artistas reconocidos a conquistar los escenarios. Piensa en Ziggy Stardust, el épico y legendario héroe espacial creado por el exitoso David Bowie, artistas que ha confesado padecer de una timidez insoportable. Un "nuevo yo" te puede permitir empezar de cero con tu personalidad, y eliminar de ella todas aquellas cosas que no te dejan sentirte cómodo sobre un escenario. Claro que no tienes que pintarte y ponerte peluca, pero si puedes adoptar un seudónimo artístico, o simplemente asumir una actitud fresca sobre el escenario. Nada pierdes con intentar.
Estos solo han sido algunos consejos que te pueden ayudar a vencer la ansiedad que sientes antes y durante una presentación. Sobre todo aprende a disfrutar de tus shows, porque si tu disfrutas y te diviértes, tu público también lo hará.

lunes, 1 de abril de 2013

Rudos, Temperamentales, Y Magnificos: La Primera Sección Rítmica De Los Beatles

Paul McCartney y Ringo Starr no siempre fueron la sección rítmica de Los Beatles. Antes que ellos se hicieran cargo del bajo eléctrico y la batería respectivamente, habían otros dos hombres a cargo, que por diferentes razones dejaron a la famosa banda de Liverpool. En este artículo voy a hablar de Pete Best y Stu Sutcliffe, los dos músicos que proporcionaron el ritmo y los registros graves a Los Beatles durante sus inicios.

Pete Best  
Randolph Peter "Pete" Best, nacido el 24 de noviembre de 1941, fue el primer baterista regular de Los Beatles. Se unió a la banda el 12 de agosto de 1960, en la víspera de la primera temporada de presentaciones de la banda en Hamburgo, Alemania. Best, señalado por sus excompañeros, y algunos críticos e historiadores, de ser un baterista poco talentoso y de un vocabulario rítmico limitado, fue invitado a unirse a la banda porque podía marcar bien los ritmos de 4/4, que es un requisito fundamental para tocar rock and roll. Si bien Best ofrecía poco como baterista, lo compensaba con su carisma y aspecto físico: era muy popular entre las mujeres que atendían a las presentaciones de la banda, tanto que en Liverpool ellas lo llamaban "rudo, temperamental, y magnifico". Al parecer esto creaba envidia entre los otros miembros de la banda, quienes, según recuentos de allegados, llegaron a ser ignorados por las chicas cuando Best estaba presente.

Pete Best, en el Cavern Club de Liverpool (Cortesía de The Telegraph)

De acuerdo a los otros miembros de Los Beatles, y a algunas personas cercanas a ellos, Best nunca se integró bien a la banda, llegando a no ser del agrado de George Harrison y Paul McCartney. Este hecho, su poco talento, y que George Martin decidiera contratar a un baterista de sesión para la primera grabación formal de Los Beatles con el sello Parlaphone, hicieron que Pete Best fuese despedido de la banda el 16 de agosto de 1962, por Brian Epstein, y a pedido de los otros tres miembros de la banda.

Best, con Los Beatles en 1962, meses antes de ser expulsado de la banda (Cortesía de The Austin Chronicle).

Después de su expulsión de Los Beatles, Best participó en varias bandas poco existosas, hasta que decidió renunciar al mundo del espectáculo, y convertirse en un funcionario público en Liverpool; ocupación que ejercería por veinte años, antes de retomar la batería en 1988 y formar The Pete Best Band. En 2008 Best editaría con su banda el album Haymans Green, compuesto solo de canciones originales, y actualmente sale de gira con regularidad. En 2011, las autoridades de Liverpool nombraron a una de las nuevas calles de la ciudad como Pete Best Drive, en honor al músico.

Pete Best con su banda, en 2008.


Stu Sutcliffe
Stuart Fergusson Victor "Stu" Sutcliffe, fue un pintor y artista de origen escoces, y primer bajista regular de Los Beatles. Nació el 23 de junio de 1940, y murió el 10 de abril de 1962. Sutcliffe nunca fue un bajista talentoso, habiéndose unido a la banda por su amistad con John Lennon. Lennon lo convenció de comprar un bajo eléctrico con el dinero que había ganado con la venta de una de sus pinturas. Se sabe que nunca se sintió comodo en el escenario, y que a menudo le daba la espalda al público. En julio de 1961 abandonó la banda, para dedicarse completamente a la pintura, arte en el cual era muy talentoso. Poco después el artista moriría de una hemorragia cerebral, a la corta edad de 21 años. La contribución de Sutcliffe a Los Beatles fue más artística que musical: influenciado por su novia, la fotógrafa y artista Astrid Kirchherr, y la cultura juvenil alemana, él fue el primero de la banda en tener un corte de pelo "Mop-Top", y un look que sería la base para el reconocido aspecto de Los Beatles de la época de la Beatlemania (1964-1965).


Stu Sutcliffe luciendo un temprano corte "Mop-Top" que sería uno de los elementos fundamentales de look "Beatle".

Como pintor, Sutcliffe demostró ser muy talentoso desde temprana edad. El estilo de sus pinturas lo colocan dentro del Expresionismo Abstracto, con reminisencia de artistas como John Bratby, John Hoyland, y Nicholas de Stael.


Oleo titulado #4, de la Serie Hamburgo (Hamburg Series #4). Obra tardía de Stuart Sutcliffe (Cortesía de Stuart Sutcliffe Art)

Según su biografía oficial Backbeat: Stuart Sutcliffe-The Lost Beatle, a parte de tocar el bajo, Sutcliffe cantó ocasionalmente en vivo, siendo ya material de leyenda su interpretación de "Love Me Tender" de Elvis Presley, e incluso compuso algunos temas. Se sabe que no se llevaba muy bien con Paul McCartney, llegado a tener una pelea con él sobre el escenario.

En el sitio Stuart Sutcliffe Art, que está dedicado a las pinturas de Sutcliffe, lo califican como "artista, poeta, y escritor, en primer lugar, y músico en segundo lugar".

 
Buddy Holly y Los Crickets?? No! son Los Beatles en Hamburgo, en 1961, con Stu Sutcliffe en el bajo, y Pete Best en la Batería.

lunes, 11 de febrero de 2013

Púas de Carey: Un Mito Moderno Entre Los Guitarristas (Parte 2)

Esta es la segunda parte de mi artículo sobre las púas de carey. En la PRIMERA PARTE expuse sobre el origen de estas púas tan preciadas, y porque hoy en día son tan difíciles de conseguir. En la segunda parte presento a los fabricantes, cuyas púas se han acercado más a las cualidades de aquellas hechas de carey.

Debido a la gran calidad del sonido que producen las púas de carey, y que muchos guitarristas aún las siguen buscando, varias empresas han dedicado esfuerzos para crear púas hechas de materiales sintéticos, que produzcan un sonido que tenga la misma calidad de aquel producido por el carey. Los materiales utilizados incluyen polímeros y compuestos de última generación, y la proteína animal polimerizada. Antes de entrar en detalle sobre las púas de materiales sintéticos, voy ha exponer acerca de las características del sonido que producen las púas de carey, dejando a un lado lo que se dice de ellas, y enfocándome en los resultados reales de una prueba realizada por guitarristas profesionales en 2010, utilizando para ello tanto guitarras acústicas como eléctricas. En tal prueba, lo primero que notaron los músicos involucrados fue que aunque las púas de carey fueran del mismo tamaño y grosor, cada una sonaba y respondía ligeramente diferente. No obstante esas diferencias, todas las púas dieron un gran balance entre las frecuencias altas, medias y bajas, produciendo un sonido profundo, cálido, y con brillantez. Asimismo proporcionaron más volumen que el que proporciona una púa convencional, especialmente en las guitarras acústicas. 

Para evaluar las púas de materiales sintéticos, los guitarristas utilizaron aquellas que tenían las misma forma y grosor de las de carey disponibles en la prueba. Esta fue la forma estándar (gota) y la forma triangular, y el espesor medio y grueso (medium y heavy). Las marcas evaluadas fueron Red Bear, Steve Clayton, Wegen, JB, Blue Chip, y Golden Gate.

Estas fueron las púas incluidas en la prueba.
 De izquierda a derecha y de arriba hacia abajo: Red Bear, Clayton, Wegen, JB, Blue Chip, y Golden Gate.

Red Bear Trading Company ofrece púas hechas de proteína animal polimerizada, material que es llamado tortis por la empresa. Las fabrican en varios grosores y gran variedad de formas, y con los bordes biselados. Además las púas pueden ser personalizadas al gusto y necesidad del músico. En las pruebas, no dieron el mismo balance en las frecuencias, y no tuvieron la misma calidez que las de carey, sin embargo dieron un tacto casi idéntico, y proporcionaron un excelente sonido muy parecido, tanto en guitarras eléctricas como acústicas. redbeartrading.com

Steve Clayton ofrece una gran variedad de materiales, formas, y grosores en sus púas. Para las pruebas se usaron sus púas hechas de Ultem, que es un polímero de excelentes propiedades mecánicas, y que según Clayton, da un sonido muy parecido al del carey. En las pruebas proporcionaron mucha articulación y un sonido brillante, pero sin la calidez y profundidad del carey. steveclayton.com

Wegen es una empresa holandesa conocida por hacer púas gruesas muy favorecidas por los musicos de Jazz Gitano. Sin embargo también hace púas de otros grosores, de los cuales se escogieron los más apropiados para las pruebas. Las púas de Wegen dieron un sonido con más volumen, pero más obscuro que las de carey. El tacto es bastante parecido, y gracias al bisel que traen de fábrica proporcionaron muy buena articulación. wegenpicks.com

John Barszc (JB) hace púas biseladas de celuloide de alta calidad. Aunque dan un sonido excelente, no se acercan mucho al carey. Estas púas son una de las mejores alternativas para aquellos músicos que utilizan púas de celuloide. jbguitarpicks.com

Blue Chip quizás produce las púas más sofisticadas que se pueden conseguir en el mercado actual. Están hechas con un material compuesto de última generación cortado en maquinaria de control numérico computarizado. Han sido llamadas las "ferrari" de las púas. El material de que están hechas les da una gran resistencia a la abrasión, por lo que se gastan muy poco y pueden durar mucho, además se autolubrican por lo que "resbalan" sobre las cuerdas. Esta factor, más el bisel que traen de fábrica, permite una ejecución rápida sobre las cuerdas. El material también se pega ligeramente a los dedos, por lo que se puede tener un buen agarre sobre la púa. Aunque el aspecto y el tacto de estas púas es bastante diferente a las de carey, dan un sonido muy parecido, tan parecido que están siendo usadas por músicos profesionales que solían usar púas de carey. bluechippick.net 

Golden Gate es una marca de Saga Musical Instruments. Tienen varios modelos de púa. Para las pruebas se utilizó el modelo "Golden Gate Flat Mock Turtle", el cual dio un tacto y sonido muy parecido a las de carey, pero les faltó las respuesta en altos, y el gran balance de frecuencias que tienen aquellas. sagamusic.com

Todas las púas probadas ofrecieron excelentes cualidades de sonido y tacto, y podrían ser favorecidas por un guitarrista, dependiendo de sus necesidades y gustos. Sin embargo, en cuanto a los resultados de las pruebas para averiguar cuales son la púas de material sintético cuyas cualidades se acercan más a las del carey, las que ganaron fueron las Red Bear, seguidas de cerca por las Wegen y las Golden Gate

Todas las púas probadas son de alta calidad, y su precio va desde $0.60 centavos americanos hasta $75 dolares americanos, siendo las más baratas las Steve Clayton, y las más caras las Blue Chip. Si el dinero no es un problema para ti, dale una prueba a cada una, y tu escoge la más apropiada para tus gustos y necesidades. Si no es el caso, aquellas baratas también ofrecen gran calidad, por lo que siempre vas a obtener algo bueno por tu dinero. 

SOY UNA ESPECIE EN PELIGRO CRÍTICO DE EXTINCIÓN.
Apoya la recuperación de mi especie usando púas hechas de materiales sintéticos.


lunes, 21 de enero de 2013

Púas de Carey: Un Mito Moderno Entre Los Guitarristas (Parte 1)

Para algunos guitarristas, especialmente aquellos que tocan guitarra acústica y mandolina, las púas de carey representan el Santo Grial de los plectros. Son tan raras hoy en día, que solo se consiguen ilegalmente en el mercado negro, o, con un poco de suerte, legalmente en una tienda de antigüedades. En tales mercados una púa de carey auténtico puede llegar a costar hasta $100 dolares americanos. Para aquellos guitarristas nacidos en las últimas dos décadas del Siglo XX y primer decenio del Siglo XXI, las púas de carey son materia de mito (si es que han oído hablar de ellas). 

De las púas de carey se dice que dan un sonido único e incomparable, de cualidad profunda, cálida, y brillante, y que tienen un tacto muy particular y agradable. Tienen un aspecto hermoso, y el patrón de manchas que las caracteriza es único a cada púa.

Púas de carey de la década los 50's. Cortesía de Ziegler Music.
 
Para aprender más sobre estos raros y preciados plectros, averiguemos de donde vienen: el carey es un material que se produce principalmente del caparazón de la Tortuga Carey (Eretmochelys imbricata), que es una especie de tortuga marina que actualmente se encuentra en peligro crítico de extinción. Hasta la década de los años setenta del siglo pasado el carey fue ampliamente utilizado para la fabricación artesanal de objetos decorativos y utilitarios, tales como peines, peinetas, botones, monturas para gafas, anillos, agujas, y púas de guitarra. Por cierto, también se le llama carey, como generalización, al material de los caparazones de otras especies de tortuga marina que también son utilizados en idéntica producción artesanal, sin embargo es de la Eretmochelys imbricata de la que se obtiene el carey más preciado.

Tortuga Carey en mar abierto. Nótese el patrón de manchas de su caparazón.

Las poblaciones de la Tortuga Carey se han visto seriamente disminuidas debido a la caza indiscriminada por su carne y caparazón, y al daño provocado por la pesca industrial. En 1973 la Convención sobre el Comercio Internacional de Especies Amenazadas (CITES) prohibió el comercio internacional del carey. Desde entonces los objetos hechos de ese material han ido escaseando cada vez más hasta convertirse en auténticas rarezas, solo comparadas con los objetos hechos de marfil de elefante.

Como se mencionó arriba, aún es posible conseguir púas de este material. Dejando a un lado el mercado negro, en el que aún se explota abusivamente a la tortuga, el carey aun se pueden conseguir en cantidades pequeñas con coleccionistas y en tiendas de antigüedades, en forma de productos terminados, o como fragmentos de caparazón.

Fragmento antiguo de carey.
Plectro antiguo de carey, procedente de las Filipinas. Cortesía de Kulintronica

Debido a ello, varias empresas han dedicado esfuerzos para crear plectros hechos de otros materiales, que posean los mismos atributos del carey en cuanto a sonido y tacto, pero a un precio asequible y con una producción que no implique la matanza de una especie animal en peligro de extinción. Los materiales utilizados para este propósito incluyen la proteína animal polimerizada, y termoplásticos tales como el celuloide, el delrin, y el ultem.

En la SEGUNDA PARTE de este articulo presento a los fabricantes, cuyas púas se han acercado más a las cualidades de aquellas hechas de carey.